伴随世界杯的到来，很多人应该都深切感受到了足球运动掀起的这股全球热潮，尤其是在时尚领域，不同品牌接连发布的各种新企划，可谓是看点不断。
Nike 集结最强阵容预热世界杯 | Via Nike
邀请众多人气品牌打造的 Nike X2 系列 | Via Nike
《Rip the Script》主题宣传广告 | Via Nike
在这之中 Nike 无疑是话题度最高的那个。从一组集结足球巨星与流行文化人物的宝丽来影像为世界杯提前造势，到邀请众多人气品牌打造的 Nike X2 系列，再到正式发布的《Rip the Script》主题宣传广告，你不得不感叹 Nike 的球员和明星阵容是如此豪华，也能感受到品牌想借着这次世界杯发力、扭转颓势的决心和势头。
Nike x Kids of Immigrants | Via Kids of Immigrants
除此之外，其中还有与 Kids of Immigrants 这种小众单位的联名企划，虽然声量不算大，但从流行趋势和更具实际意义的日常搭配层面来说，其实同样值得留意。
Total 90 Mule | Via Kids of Immigrants
或许当你看到双方打造的这款 Total 90 Mule 的时候，第一反应或许会是困惑。作为一双诞生于足球场、曾经代表 Nike 黄金时代的经典战靴，为什么会被改造成一双看似毫无联系的半拖穆勒鞋？但恰恰是这种看起来有些矛盾的设计，实际上才正好抓住了当下的市场需求。
钉鞋被直接穿上街头 | Via SneakerNews
从某种程度上来说，它代表的正是足球在当下所发生的一场文化属性上的转变——从 Martine Rose 持续从足球文化和英国看台文化中寻找灵感，到 Wales Bonner 将足球元素带入高级时装体系，再到 BALENCIAGA 不断引用足球视觉语言…就如同我们所看到的，如今人们购买复古球衣早已不只是为了表达球迷身份，甚至连专业足球鞋也能成为时尚搭配的一部分，这些原本赛场上的产品逐渐脱离运动场景变成一种流行趋势，受到年轻群体的追捧。
Via VOGUE
可以说，足球正在经历和早先街头文化、户外文化相似的发展过程，逐渐从一项运动演变成一种独具代表性的风格语言。
时尚化的 Total 90 III 早先已经掀起一阵热潮 | Via PAUSE Magazine
这对于 Nike 这样的传统运动品牌来说自然是好事，意味着原本只局限于运动场的产品拓展到了更大的受众市场中，而在这之中，Total 90 就成为了帮助品牌完成转变最合适的载体之一。
这一系列代表着品牌在足球领域如日中天的一段时期 | Via SportsVerse / HIGHXTAR.
它几乎是 Nike 在千禧时代最具代表性的足球符号和视觉记忆之一，无论是标志性的圆形 Logo 还是不对称设计，都让它拥有极高的辨识度，而在千禧复古风潮回归之后，Nike 选择将 Total 90 的主场转移到球场之外，甚至就像这次与 Kids of Immigrants 的合作中这样，以一种更激进的方式——彻底剥离它的功能属性。
更贴近足球背后的文化意义 | Via Kids of Immigrants
不仅如此，Kids of Immigrants 本身所具有的跨文化、多元社群背景，还为这次合作增添了一种文化属性。要知道足球之所以能够成为全球最具影响力的运动之一，很大程度上正是因为它天然具备跨越地域和文化边界的能力。
从这一点来说，尽管名气并不响亮，但与 Kids of Immigrants 的合作或许反而比大热的话题联名显得更贴近足球背后的文化意义。
Via Kids of Immigrants
此外，近年来在以勃肯作为代表的 Mule 款式几乎已经成为鞋履领域最受欢迎的设计之一，消费者对于舒适、方便且能够适应不同生活场景的款式需求或许也是这次合作的「灵感」来源。放在这样的背景下再去看这双 Total 90 Mule，就会发现 Nike 的思路其实是希望让足球文化以一种更轻松、更日常的方式重新进入年轻人的生活。
这便是这双 Total 90 Mule 最具有时代属性的地方。
从这个角度来看，Total 90 Mule 或许并不是近期最具话题性的鞋款，但它却很能代表当下的趋势——既承载着足球文化回归所带来的时代情绪，也踩中了穆勒鞋型持续升温的市场需求，以最直接的方式，回应了年轻消费者对于穿搭方式与生活方式的偏好。
低能量穿搭（Low Energy），一种以「看起来随意」「简约单品」为视觉核心的风格近期成为社交媒体的讨论中心。这几乎可以概括人们进入一种「我不在乎」的审美，以及其背后所对应的情绪状态。不过...在这个人们逐渐对「风格词汇」感到厌倦的时代里，继续把「松弛」赋予新的「风格定义」，加入新的、更多考量，是否就变成了一件矛盾的事？
Via BRIGITTE
讨论低能量穿搭或许不能直接从「是什么风格」开始，需要先思考一个大前提：这真的只是随便穿吗？如果只是把衣柜里最基础、最没有存在感的单品套在身上，低能量穿搭也许就不会社交媒体上形成一种可被识别的视觉印象。之所以能变成「新的风格」，恰恰是因为那些看起来随意的造型，其实并不真的随意。甚至，对建模也是有要求的...
被认为是「低能量穿搭」的明星造型 | Via FLOM、BAZAAR
要呈现出「松弛」而不是「没精神」的造型背后，仍然需要一套非常精确的选择逻辑。素 Tee、宽松衬衫、没有明显 Logo，出发点是减少在穿搭上所花费的时间和精力「降低难度」，但实则把难度移到了一些不起眼的细节中。例如材质、版型和色彩的搭配组合等。这样的视觉构成，有没有感觉和过去的「Old Money」「Quiet Luxury」风格有很高的相似度？
海外博主们的「简单穿搭」 | Via Pinterest、Instagram
这么看来，低能量穿搭似乎并不是一种「最适合低能量、低精力」人群的穿搭首选。虽然这和所有以「简约」为核心的风格相似，可以把造型痕迹隐藏起来，用「看不出来」替代直接展示。但没有 Logo 不代表便宜，颜色简单也不代表是随便选出来的。当低能量穿搭被包装成一种「更轻松」的选择时，同时制造了新的门槛。由此出现了开头说的矛盾：越是看起来毫不费力，往往可能「越费力」。
Via Instagram @uniformdisplay
回看过去几年频繁出现的「流行风格关键词」：从简单干净为核心的 Clean Fit，Core 系美学中最火的Gorpcore 户外和 Blokecore 球衣造型，到 Old Money 和 Quiet Luxury 所强调的低调奢华和隐性精致。而国内社交平台亦起到了很强的风格推动作用，还创造出多巴胺、巴恩风和格雷系等新型风格词汇。
每一年都有新的风格、审美标签和算法推荐。品牌不断创造新的需求，社交媒体不断放大趋势，而消费者似乎总在追赶下一波「必须参与」的风格。也正是在这样的长期环境下，以「做减法」为主的穿搭方式开始成为人们追求的状态。
Gorpcore & Blokecore | Via @Polina、@MorellatoPatrizio
当外部信息过载、趋势更新过快，日常生活又不断消耗注意力时，简单穿搭确实可以减少选择压力，让人获得一点稳定感。试着回想一下，近段时间的风格趋势确实也没有之前这么明显和强烈。
一些单品和色调契合「低能量」特征，且比较符合夏季的穿搭 | Via @alon.katzz、@Alex the G、@aader.archv、@andersfelsager、@_rachel1001、@fabiobleu、@eduperezdeolaguer、@forward_magazine
就像对于很多人来说，穿得简单并不是没衣服穿，而是累了，不想再为投入太多注意力、经济和时间成本。这时候简单的穿搭则提供了一种心理上的出口：减少对风格的依赖，不必每次出门都需要思考，也不必不断证明自己属于某个圈层。
低能量穿搭之所以能被讨论，也许因为它看起来像是在表达一种更顺畅的生活状态，传递出非强烈的个性，而是一种「我知道什么对自己重要」的自我掌控感。
博主 Gia Fratte 演绎松弛感，但更多也许是一种生活状态 | Via Instagram @giafratte
《BAZAAR》曾引用 Nightingale 的观点指出，低能量穿搭背后源自两个心理驱动力：一是对他人评价的敏感度降低，尤其是在 Z 世代中；二是「认知优化」，也就是简单穿搭可以释放更多心理带宽，用于创造力和生产力。这些驱动力有助于减少围绕穿衣的决策，也确实能够降低压力。「着装认知」即服装会影响我们的思维和感受。她明确提到：「如果你把自己的衣服与舒适、自信或力量联系在一起，你就会更多地体验到这些感受。减少认知负担，总是会提升幸福感。」
但问题也来了，这种状态被社交媒体放大、赋予名称并流行起来，它就很容易从「解放」产生出新的审美压力。看似简单的造型，也可能依赖精致的面料、干净的妆发、合适的身材比例和稳定的生活状态。
Kendall Jenner 平平无奇的「低能量」造型，人字拖来自 The Row，售价 690 美元 | Via @kendalljenner
于是，「低能量」和之前的静奢老钱一样，本来想要「少花力气」，变成了「如何让自己看起来像是少花力气」，之中你还可能花了更多的钱去购买符合要求的单品。在 Helen Reynolds 网站，低能量穿搭甚至被拆分成了足足六个步骤。所谓松弛感，也就变成了另一种刻意。
过去很多经典风格，有些源自某种文化群体，某位明星或是职业，也可能是又某个具有强烈风格辨识度的品牌。而当代穿搭风格词汇，往往也是在对某类群体和某种穿搭方式进行归类，命名。对于「低能量穿搭」这个新词，更值得关注的其实就是背后那种减少无效消耗的意图，而不是用刻意用「穿搭公式」去营造这样的生活状态。
这并非在引导各位否认包括「低能量穿搭」在内的各种以简约为核心穿搭本身的价值，毕竟这些风格都带有某种乐观意味。确实有不少能轻松掌握穿搭技巧的进阶玩家，可以「毫不费力」搭配出一身好看的造型。但对于「普通人」而言，与其把所谓「营造简单和不刻意」当成「风格」，不如真的回归自己最舒服的选择。毕竟，「松弛」更多反映的也许是生活状态，而不是「穿衣风格」。大家认为呢？
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2026 世界杯，部分国家队已经不再只是体育单位，而是在向文化 IP 演化，这些合作已经不再是传统足球装备赞助的形式，而是通过与不同时尚潮流单位的合作，展现出不同国家的气质、青年文化、审美身份以及社区符号。世界杯本身，也从单纯的体育赛事，变成全球文化表达的入口。
Via Instagram @palaceskateboards
对于英格兰来说，足球与街头文化之间本就存在着长期且紧密的联系。从 Football Casual 时代开始，足球看台文化便不断影响着英国年轻人的穿着方式与审美习惯，而围绕足球形成的社区文化，也逐渐与滑板、音乐以及街头服饰交织在一起。
Via Instagram @palaceskateboards
英格兰队与 PALACE 的这次合作系列涵盖了赛前热身服、训练服、运动套装、夹克、Varsity Jacket、帽款以及 Cryoshot 鞋款等多个类别，几乎覆盖了从球场到日常穿着的全部场景。
Via Instagram @palaceskateboards
球衣灵感源自圣彼得教堂的彩色玻璃艺术画作；银色出场夹克带有强烈的复古未来主义，银色金属光泽的面料，非常契合 90 年代末到 2000 年代初欧洲锐舞文化和看台文化的交界美学。
Via Instagram @palaceskateboards
重磅皮袖棒球夹克采用了经典的皮革拼接毛呢架构，背后是由雪尼尔绒材质重塑的巨大「三狮图腾」配合 PALACE 标志性的花体字排版；鞋履部分也是一大惊喜，Cryoshot 透明外底设计用一整块透明的水晶笼状外底，将原本带有鞋钉的足球鞋底「封存」其中，使其完全具备了日常穿着的舒适性，也呈现出「博物馆式」的高级解构手法。
Via Instagram @versus
这些单品共同指向英伦足球文化本身，PALACE 重新整理那些长期存在于英格兰足球周边的文化符号，并将其重新带回国家队语境之中。
Via Instagram @virgilvandijk
在 4 月份，《Fantastic Man》杂志摄影大师大卫·西姆斯掌镜的大片率先曝光荷兰队与 Patta 的合作，由荷兰国家队队长维吉尔·范戴克（Virgil van Dijk）亲自上身演绎，Patta 的两位主理人 Edson Sabajo 和 Guillaume Gee Schmidt 并没有落入传统「橙衣军团」的单一色彩陷阱，而是用极具侵略性的视觉重塑了现代荷兰。
Via Instagram @patta_nl
官方宣传片则充分放大了荷兰的多元文化特色。视频的节奏由一支充满能量的苏里南铜管乐队所统治。Patta 将苏里南传统音乐节奏植入宣传片中，是在视听层面对荷兰足球进行一次「寻根与正名」。它在情绪上不断在「阴郁沉稳」与「高亢激昂」之间切换，这种律动感赋予了国家队一种带有野性、自信且带有街头记忆的全新律动。
Via Instagram @onsoranje
球衣上的锁链暗纹，是深植于苏里南传统文化的 Ala Kondre 项链。在传统语境中，这种由不同材质、纽扣和串珠拼贴而成的项链，代表着保护、归属感与社群的团结。在视频的高清镜头和动态特写下，这个符号展现出了它真正的厚度。
Via Instagram @onsoranje
Patta 将 Ala Kondre 与荷兰传统的共和国狮子图腾缝合在一起，通过视频里光影的折射，这条线性的符号变成了一条情感纽带——它象征着不同文化背景、不同族群的青年，如何在当代荷兰的底色下凝聚成一个集体的身份。
Via Instagram @patta_nl
这部短片把 Patta 的品牌历史与荷兰国家队的宏大叙事完成融合。它没有喊任何一句政治正确的口号，却通过苏里南的铜管乐、Ala Kondre 的纹样以及戴维斯（荷兰传奇球星）与范戴克的同框，完成了一次对「何为荷兰人，何为荷兰足球」的当代时装化定义。
Via Instagram @peaceminusonedotcom
韩国队与 PEACEMINUSONE 合作的系列涵盖赛前服饰、训练装备、运动套装、围巾以及 Cryoshot 鞋款等多个品类。整个系列以韩国国家队标志性的红色为主轴，同时加入品牌最具辨识度的雏菊图案，形成鲜明的 PEACEMINUSONE 视觉体系。
Via Instagram @hwangheechan & @peaceminusonedotcom
型录不但由 G-DRAGON 领衔出镜，更邀请到 aespa 成员 KARINA 和韩国国家队成员黄喜灿示范。两大 K-POP 顶流明星的加持，背后是极其庞大的 Gen-Z 粉丝基本盘，这次合作所连接的并不只是潮流圈层，而是整个韩国娱乐工业；直接而通俗地讲，这次合作能够将不少平时对足球不甚关注的粉丝们「引流」到本届世界杯赛事。
Via Instagram @mizx.xxi
另外，双方专门举办了名为「One Pulse: One Resonance」的展览活动。除了新系列之外，现场还陈列了韩国国家队历届球衣档案，将国家队历史与此次合作共同放在一个叙事框架之中。
Via Instagram @nocta
与韩国队类似，本届世界杯联合主办国之一的加拿大队与 NOCTA 的合作同样也借助了流行文化偶像的影响力。
Via Instagram @nocta
加拿大更多时候被人们与冰球、枫叶以及北方国度的形象联系在一起。即便近年来加拿大足球迅速崛起，阿方索·戴维斯、乔纳森·戴维等球员开始获得全球关注，但对于许多观众来说，加拿大最具影响力的文化符号，或许依然是 Drake，本次合作系列的单品也散发出强烈的 Drake 个人审美风格。
Via Instagram @nocta
主色调由暗夜黑与冰川灰组成，视觉上散发着一种冷峻、低调的气质。黑色球衣正面出现的红色放射状线条，犹如蜘蛛网般向四周扩散；而另一件长袖单品则运用了大面积蓝绿色扎染效果，与传统足球服饰形成鲜明区别。
Via Instagram @canmnt
在与乌兹别克斯坦的友谊赛前，加拿大队员们上身了系列中的运动服套装。使用了高规格的哑光压胶防水拉链、隐藏式多口袋系统以及标志性的热压胶条，将国家队制服重塑成一套高规格的充满都市冷冽感的机能服装。
Via THRASHER MAGAZINE
虽然 THRASHER 诞生于旧金山，并长期被视为美国滑板文化最具代表性的符号之一，但其创始人 Fausto Vitello 具有阿根廷血统，阿根廷文化一直存在于 THRASHER 的发展脉络之中。这次围绕阿根廷国家队展开的企划，也被不少人视为一种回归自身文化根源的表达。
Via THRASHER MAGAZINE
注入经典菱形格纹的足球球衣灵感源于 1994 年世界杯的阿根廷队战袍——那也是美国首次主办的世界杯。T 恤上经典的 THRASHER Logo 被替换成了阿根廷国家队的名称，并将背景改造成了代表阿根廷国旗的图案，既保留了滑板文化的燥动感，又带有极强的国家荣誉辨识度。
Via THRASHER MAGAZINE
产品之外，阿根廷足球的精髓在于其既有极致的个人盘带与创造力，也有充满激情的战斗意志，这与 THRASHER 倡导的「Skate and Destroy」的滑板硬核精神非常契合。创始人 Fausto Vitello 骨子里的拉美狂热，通过旧金山的滑板文化放大后，又在 2026 年借由世界杯的舞台重新回到了布宜诺斯艾利斯。
Via Instagram @virgilabloharchive
美国作为本届世界杯的核心主办国，但是足球长期都不是最受关注的项目。相比拥有百年历史的欧洲足球文化，美国更擅长输出的是另一套东西——Hip-Hop、球鞋文化、大学体育文化、街头时尚以及创意产业。
Via Instagram @usmnt
因此，当美国国家队与 VIRGIL ABLOH ARCHIVE™️共同推出世界杯系列时，有种感觉是，并没有在单纯设计足球产品，而是在借助国家队这个载体，去讲述一种独特的体育文化故事。
Via Instagram @usmnt
从目前公开的系列来看，最核心的单品并非球衣，而是一件长袖 Rugby Polo，散发出很浓烈的 Varsity Culture 气质。直接采用美国国家队经典红、白、蓝配色作为基础，又加入 V.A.A 特别设计的图形系统，包括带有工业感的字体排版、解构式文字细节以及档案馆概念下的视觉编号元素，都能够让人联想到 Virgil 生前长期使用的设计语言。
Via FOOTY HEADLINE
系列还包含风衣外套、训练服以及其他生活方式单品。整体视觉中大量出现补丁、徽章、印章以及档案标签式图形元素，并没有追求高级时装式的精致感，而更像美国体育文化里常见的那种张扬、自信甚至略带夸张的表达方式。
Via Jacquemus
足球是法国国家文化的一部分，时装同样如此，法国长期掌握着全球时尚产业最重要的话语权，当法国国家队与 Jacquemus 共同出现在世界杯合作名单中时，我们看到的并不仅仅是一次联名，而更像是法国将自己的另一项文化资产带入足球世界。
Via Instagram @equipedefrance
Simon Porte Jacquemus 并没有在球衣上堆砌繁复的解构或夸张的 Logo，而是选择从个人记忆出发——他的灵感源自童年记忆里一件 90 年代的耐克深蓝色运动夹克。皇家蓝底色的赛前球衣上，加入了纤细的常用于西装或复古棒球衫的红白双色垂直条纹，即使是在充满汗水与对抗的竞技体育里，Jacquemus 也拥有将其塑造出优雅和精致气质的能力。
Via Jacquemus
此次系列包含了赛前球衣、出场夹克、守门员球衣等 7 件 Lifestyle 单品。整个系列通过随性流动的剪裁与利落的比例，呈现出一种极其纯正的法式极简时尚风格与复古制服感。内搭的条纹运动衫与利落的外套、短裤组合，让这套原本应该出现在绿茵场备战期的装备，完全具备了直接走入日常街头、甚至是时尚品牌集合店橱窗的高级时装质感。
CLOUDBOOM STRIKE SL | Via LOEWE
LOEWE 与西班牙队建立了四年的合作关系，从本届世界杯开始延续到 2030 年（届时世界杯将由西班牙、葡萄牙和摩洛哥联合举办）从目前已经公开的造型来看，LOEWE 并没有为西班牙队设计比赛服或训练装备，而是聚焦在国家队场外形象的塑造。
Via LOEWE
标志性的定制西装展现了顶级工艺，最迷人的细节在于——LOEWE 经典的 Anagram 罗意威老花刺绣被低调地隐匿在袖子内侧，只有在球员走动或摆动双臂的动态中才会若隐若现。系列还涵盖了高质感棉质 Polo 衫、休闲夹克、配套长裤、Bobine 德比鞋，以及诞生自 LOEWE 顶级工坊的皮革行李袋与配饰。
Via LOEWE
相比运动精神，LOEWE 更关注的是物品本身的品质。近年来无论是 Puzzle Bag、工艺展览还是各种艺术项目，品牌始终强调的是制作过程、材料选择以及手工艺价值，这些东西恰恰也是西班牙制造长期以来最重要的组成部分。
Via LOEWE
因此，真正站在舞台中央的是 LOEWE 所代表的西班牙工艺传统。他们向我们展示着，一个国家最具代表性的文化输出，未必总是来自流行文化，它也可以来自那些历经百年沉淀的工艺传统。
Via Instagram @willychavarria
Willy Chavarria 的身份始终横跨两种文化，他出生于美国，但成长过程中深受墨西哥裔家庭背景影响。从品牌创立至今，移民文化、拉丁裔身份以及美国西海岸街头文化始终是其设计的重要主题。
Via Instagram @willychavarria
Willy Chavarria 携手墨西哥国家队推出的「Comienza Con El Sueño（始于梦想）」系列，将足球文化带回了泥地、街头和拉美裔社区，转化为一种更具情绪和文化分量的社区力量，他把焦点放在那些梦想成为国脚的孩子身上。宣传片中出现的大量场景都不是职业球场，而是社区球场、街头以及普通年轻球员成长的环境。
Via Instagram @willychavarria
单品的风格也充满了墨西哥风情和街头感，标志性的几何纹样、绿白红配色、玫瑰与复古盾徽，结合夸张的超大比例落肩球衣、宽大的长款足球短裤、复古重磅橄榄球衫以及运动套装，消解了当代足球服饰紧绷的流线型，代之以街头野生力量。
Via Instagram @willychavarria
系列中还引入了结构感平织西装以及硬挺的纽扣衬衫，这是往教练席的延伸。并由此传达出另一个理念：在每一位追求梦想的孩子背后，都需要有沉稳、坚实的后盾作为其方向的指引与精神的托举。
Via SOCCER BIBLE
最后介绍的日本队，是所有队伍中最特别也是最丰富的存在，在本届世界杯中，日本队没有把文化表达交给某一个品牌或某一个创作者，而是同时调动时装、音乐、动漫三套文化产业来服务世界杯期间的传播，几乎把日本最具代表性的几种文化产业全部拉进了足球世界之中。
Via SOCCER BIBLE
首先是与山本耀司的 Y-3 合作，双方在 2024 年就已牵手。在 2025 巴黎春夏时装周上，Y-3 发布了日本队正式比赛中会穿着的主场球衣。设计回归了 1998 年日本首次打入世界杯时的深海军蓝，由山本耀司团队手工绘制的蓝色火焰从底部蔓延至肩膀，象征着「由微小火焰汇聚成巨大火柱」的集体力量。
Via SOCCER BIBLE
除了赛场版本，Y-3 还以 90 年代末 JFA 经典的守门员火焰球衣为灵感，推出了包括双面穿横须贺夹克、赛前热身服在内的场外生活系列，由长年与山本耀司合作的传奇摄影师 Takay 掌镜视觉大片。
Via Instagram @ado_staff_official
另一方面，在今年年初，日本官方正式宣布超人气歌姬 Ado 担任 2026 日本国家队球衣的创意合作伙伴，以及由 Ado 携手当下炙手可热的音乐人木谷龙也创作的日本国家队应援歌曲《綺羅（Kira）》也热血上线。
Via Instagram @japanfootballassociation
在 5 月份，日本足协召开新闻发布会，联合足球漫画作品《蓝色监狱》宣布启动了一项名为「FUTURE CAMP inspired by BLUELOCK」的全新青训选拔计划。这一项目由 JFA 主导，旨在打破国界，专门在北美等海外地区搜寻、选拔具有日本国籍的年轻足球天才，为国家队输送血液。
Via Instagram @japanfootballassociation
JFA 主席宫本恒靖在发布会上直言，《蓝色监狱》中那种「为了成为世界第一而不懈剥离、觉醒自我」的强烈渴望，正是现实中日本足球走向世界之巅所需要的精神，而日本主教练森保一更是扬言，日本队在本届世界杯的目标是夺得冠军，捧起大力神杯。
虽然还有不少劲旅在这一届没有进入「文化联名」的阵容，但是，世界杯国家队过去代表的是荣誉、成绩、民族情绪，现在则增加了更多层的表达：国家审美、青年文化、社区身份、音乐、流行文化，这股趋势或许会在日后继续蔓延开来。
赛场上的大力神杯只有一座，终场哨响之后总要分出胜负；但赛场之外关于审美身份、地缘认同以及青年文化的交汇，也在这些 Lifestyle 单品中被永久地定格为时代的文化档案。世界杯不仅是绿茵场上的肉搏，它是一块巨型的画布，一块由全球多元文化共同织就的当代浮世绘。
那么，在这场盛大的文化交汇之中，面对这些不同国家的骨血、气质与审美的终极阵容——你，会 Pick 哪一队？
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Via TheIndustry.fashion
无论是 Runway Look 的传播度，还是买手、各大权威媒体以及消费者对于新系列的讨论热情，CHANEL 都重新出现了一种久违的「时装感」。路透社将其形容为「一次优雅的修正」，而《VOGUE》则在头条直白地指出「Matthieu Blazy 正在重塑 CHANEL 的引力场。」
CHANEL Fall Winter 2024 | Via Lifestyle Asia
过去几年，CHANEL 在时装圈里一直处于一种很特殊的「抽离状态」。在 Virginie Viard 执掌的后期，外界对于 CHANEL 的讨论，越来越集中在 Classic Flap、配货、涨价以及品牌保值能力。它确实依旧是全球最成功的奢侈品牌之一，也依旧拥有最稳定的高净值消费群体，人们依旧认可它的地位，但与此同时，却越来越少讨论它的秀场、造型以及设计本身。
尤其在社交媒体时代，当越来越多奢侈品牌通过视觉语言、秀场情绪以及极具传播性的造型制造讨论时，CHANEL 却长期维持着一种极度稳定甚至保守的表达。这种稳定曾经是它最大的优势，但同时也开始让它有种慢慢地脱离当代时装文化的中心的感觉——CHANEL 似乎缺少了一种「时装欲望」。
Via CHANEL
而 Matthieu Blazy 上任之后最明显的变化，就是他重新让 CHANEL 拥有了被讨论的热度，首先体现在产品层面。虽然 Matthieu Blazy 的成衣首秀是在 2025 年 10 月推出，但他在 2024 年底上任后，首个重大动作是主导了 CHANEL 25 手袋的全球宣发与视觉重塑。时尚部门的增长很大程度上由皮具贡献，尤其是这款手袋在 2025 年贯穿全年的强势表现。
Via Instagram @grazia.sg
CHANEL 25 手袋采用更加柔软、松弛的流浪包轮廓，同时保留菱格纹、双 C、皮穿链等经典 CHANEL 语言，让整个包既维持品牌辨识度，又明显更加贴近当代穿搭语境。
这种变化体现出 Matthieu Blazy 在 BOTTEGA VENETA 时期最擅长的事情之一，就是让奢侈品重新出现一种「真实穿着感」。而这种方向，也迅速体现在 CHANEL 25 手袋的整体视觉策略里。
Via Clash Magazine
从 Dua Lipa、Jennie 到 Margot Robbie，整个 CHANEL 25 手袋的宣传影像明显比过去更加轻松、自由，也更强调一种现代都市女性的日常状态，它不再只是传统意义上的「贵妇包」，而开始更像一种真正属于今天时装文化的「Luxury item」。
Via CNN
如果说手袋是商业上的止痛药，那么 Matthieu Blazy 入主 CHANEL 后的第一场正式时装秀，也是整个行业最受关注的一场 debut 之一——2026 春夏成衣系列——则是品牌的强心针。
他重新将大秀带回 Grand Palais，并以巨大的宇宙装置作为秀场核心。这种极具戏剧性的场景，很容易让人联想到 Karl Lagerfeld 时期那些标志性的 CHANEL 大秀。
Via CHANEL
秀场以一件极简的 Charvet 风格男装衬衫开场，向 Gabrielle Chanel 借穿 Boy Capel 衣橱的轶事致敬。随后，他将这种实穿性迅速推向极致工艺——如最后收尾的白丝 T 恤配以如星云般的羽毛长裙。
Via CHANEL
他在秀场中引入了突破性的「流体粗花呢（Fluid Tweed）」。这种面料利用丝绸与羊毛的特殊混纺，去掉了传统 Tweed 的沉重与僵硬。模特穿着这些外套在大皇宫内快步穿行，衣服不再是静止的盔甲，而是随着身体起伏的律动。
Via CHANEL
Blazy 的首秀系列中，部分关键配饰和「胶囊款」在秀后立即通过特定精品店定向发售。10 月至 12 月这短短两个月的「Blazy 效应」极其强烈，根据 CFO Philippe Blondiaux 的访谈，2025 年第四季度的强劲增长抵消了上半年的疲软。正是这最后两个月的冲刺，让全年数据实现反转。
Via CHANEL
随后，CHANEL 在 2026 年第一季度的 Lyst 指数中更是获得了前所未有的热度，其中 26SS 拼色水泵鞋（Gloveless Pumps）和星际珠宝系列成为了现象级爆款。
Blazy 将传统的双色鞋重塑为如手套般贴合、甚至略带未来主义弧度的鞋履，成为了 2026 年全球穿搭博主的「统一装备」；那些模仿行星轨迹的巴洛克珍珠项链，彻底颠覆了此前过于温婉的珍珠叙事，将其转化为一种充满力量感的装饰艺术。
Matthieu Blazy 通过 CHANEL 25 手袋和首秀的强势输出，成功将品牌从 2024 年的衰退中拉出，并将这种热度转化为一种足以对抗经济下行周期的「文化刚需」。他让 CHANEL 从一个「兜售历史」的品牌，再次变成了一个「创造审美」的品牌。
Via Sotheby's
Matthieu Blazy 上任后的成功让人联想到 CHANEL 历史上最重要的人物之一——Karl Lagerfeld。不仅是因为 2026 春夏秀场那戏剧性的场景以及秀后的绝佳反响，还因为他与 Karl Lagerfeld 都有「CHANEL 外聘设计师」这一共同的特殊身份。
Via CHANEL
在奢侈品行业，区别于其他愿意将成长逻辑建立在不断「重启」的品牌，CHANEL 几乎是「封闭」与「连续性」的代名词。在 Gabrielle Chanel 于 1971 年逝世后，CHANEL 存在着一段长达 12 年的「创意真空期」。
品牌当时继续依赖于内部设计团队来延续 Gabrielle 留下的风格，但是这个阶段的 CHANEL 被认为过于保守和过时，被讥讽为「只有老祖母才会穿的衣服」。所以才有 1983 年首次外聘 Karl Lagerfeld 的被视为「孤注一掷」的拯救行动。
Via nss magazine
自 1983 年 Karl Lagerfeld 接任之后，品牌长达 36 年几乎没有从外部寻找过创意统领。而在 Karl Lagerfeld 逝世后，继任者是追随他三十年的 Virginie Viard。CHANEL 似乎又轮回了一次 40 年前的遭遇。
CHANEL 内部这种非常强烈的「体系文化」虽然在很长一段时间内是品牌最引以为傲的护城河，它确保了 CHANEL 不会被激进的设计师驱散，保证了 5 号香水、珍珠、粗花呢这些符号在半个世纪里保持了惊人的纯度。
然而长期处于内部循环就会开始出现另一层含义：保守、无聊、缺少讨论度。2024 年业绩的滑坡本质上是一种「体制病」，当品牌逻辑过于依赖对旧有范式的修补，它便失去了对当代时装的感召力。
Via CHANEL
当 2024 年底 Wertheimer 家族最终敲定 Matthieu Blazy 时，这无异于复刻了当年招揽 Karl Lagerfeld 的惊险一跃。Matthieu Blazy 的上任再次证明了外聘设计师的价值，不在于他带来了多少自己的东西，而在于他作为「他者」，能看到内部人视而不见的品牌生命力。
不过，对于任何奢侈品牌而言，一位新创意总监在上任初期获得关注并不罕见。真正困难的是，这种关注，能否从话题热度逐渐转化成品牌长期方向。在首秀大获成功之后，Blazy 的动作明显变得更加宏大且具实验性，甚至被视为品牌高层给予其「无限创作权」的信号。
Via CHANEL
在 2025 年 12 月于纽约推出的高级手工坊系列，是 CHANEL 第一次允许创意总监将品牌最引以为傲的 Métiers d'art 体系置于如此「粗粝」且具有强烈公共属性的非传统场域。
Via CHANEL
在过去，高级手工坊系列往往被包装在精致的异国城堡或歌剧院中，但 Blazy 选址于纽约废旧的地铁 R32 站台进行这种「去精英化」的实验，标志着管理层开始接受他用「日常性」来定义「奢侈」的激进策略。
Via CHANEL
在 2026 年 3 月推出的 2026 秋冬系列中，Blazy 推出了一个几乎剥离了所有双 C Logo 的系列，这是一个极其大胆且具有「反商业」色彩的举动。他撤掉了显眼的品牌标识，转而利用粗花呢的织纹错位、巴洛克风格的异形纽扣，以及他标志性的流体剪裁来建立辨识度。
Via CHANEL
能够让一个依赖符号红利支撑溢价的巨头放弃 Logo，说明 CHANEL 已经完全认可了 Blazy 的审美领导力。这种信任已经超越了单纯的销售额，上升到了对品牌「美学解释权」的全面移交。
只有当品牌高层对设计师的「审美控制力」拥有绝对信心时，才会允许这种去 Logo 化的尝试。这证明了 Blazy 已经不再需要依赖品牌符号来卖货，他本身创造的「Blazy 廓形」已经成为了最昂贵的标签。
Via CHANEL
到了 4 月推出的 2027 早春系列，Blazy 选择重返比亚里茨（Biarritz）——1915 年 Gabrielle Chanel 开设第一家定制店的原点。选择在品牌「物理原点」办秀，通常是极具神圣感的举动。Blazy 并没有单纯地复刻历史，而是将 1926 年的黑裙草稿与巴斯克海滩的拉菲草编织、运动针织面料相结合。
Via CHANEL
他通过这场秀完成了一次「认祖归宗」式的重构。他不仅是在设计衣服，他是在对比亚里茨、对 Gabrielle 的起源进行「Blazy 式」的重新注释。获准在品牌最具神圣感的诞生地进行如此大刀阔斧的「历史重写」，是 CHANEL 给予一名设计师的最高礼遇。
正如当年 Karl Lagerfeld 通过一系列打破常规的举动赢得 Wertheimer 家族「终身聘用」一样，Matthieu Blazy 在上任之后的表现，已经让他从一名「外聘设计师」转变为「品牌的化身」。
他不仅赢得了 2025 财报那 193 亿美金的数字，更重要的是，他让 CHANEL 相信，在他的逻辑下，这个百年品牌能在新的阶段再次成为引领新时代审美的存在。Matthieu Blazy 的光芒以及 Wertheimer 家族已表现出来的高度信任，似乎 CHANEL 真的会诞生出「第二个 Karl Lagerfeld」。
Via CHANEL
但是在我看来，对于 Matthieu Blazy 而言，这固然是莫大的荣誉；而对于 CHANEL 而言，这应该要成为「避免品牌再度堕入轮回的警醒」——如果 CHANEL 真的打算像以往那样超长期地任命 Matthieu Blazy 的话，那么当这位设计师也像以往那样离开品牌之时，CHANEL 那种非常强烈的封闭的「体系文化」是否会再一次产生侵蚀？
「人类从历史中学到的唯一教训，就是人类无法从历史中学到任何教训。」我打心底里希望，这句话是错的。
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当越来越多类似的新闻集中出现，实际上这背后也正在透露出一个值得关注的行业趋势：K-pop 明星如今已经不只是奢侈品牌营销体系中的流量入口，而是正在成为直接带动大众消费趋势乃至全球时尚版图的重要力量，几乎所有品牌都在抓住这些偶像资源，重新与年轻一代建立连接。
JISOO 金智秀成为 Salomon 萨洛蒙全球品牌代言人 | Via Salomon
可以说，JISOO 与 Salomon 的合作无疑是近期最具代表性的案例之一。两者之间的结合多少让人会感到有些意外，而这种意外也恰恰说明了合作本身的重要性。
高奢体系中的核心资源 | Via DIOR/Cartier
无论是 DIOR 还是 Cartier，长期以来 JISOO 代表的都是 K-pop 明星在传统奢侈品牌体系中的核心资源。而 Salomon 作为一家以越野跑和专业装备闻名的户外品牌，两者的交集似乎并不大。
与 MM6 Maison Margiela 的合作同样具有代表性| Via WWD
不过在过去几年，随着户外风格成为时尚市场中的关键词，Salomon 也是凭借着从专业领域精准切入生活方式和时尚赛道才一跃有了如今的成功，因此选择 JISOO 作为品牌全球品牌代言人，不仅仅是对于韩国市场的重视和积极态度，同时也不难看出品牌希望进一步贴近时尚领域和年轻消费群体的目的。
与此同时，Nike 也正在以另一种方式积极拥抱 K-pop 文化。
柳智敏、LISA 先后加入 Nike 品牌大家庭 | Via Nike
在此前先后宣布柳智敏、LISA 正式加入品牌大家庭后，近期伴随 BTS 世界巡演的展开，Nike 与之携手推出了名为「ARIRANG」的主题系列产品以及 Nike By You 定制服务，包含十款专为 BTS 打造的定制图案，粉丝们可以通过指定产品进行共创与个性化设计。
Via Nike
这也是品牌罕见的直接参与到明星巡演的周边企划中，背后的目的很简单，就是通过这种方式将偶像文化、粉丝文化以及产品体验结合在一起，创造一种更具参与感的消费场景。
Nike 集结最强阵容预热世界杯 | Via Nike
而伴随世界杯的即将到来，Nike 在早先发布的一组集结各领域巨星的宝丽来影像也算是吸引了不少关注，品牌将运动员、音乐人、设计师等 icon 级别合作对象同时拉进同一个叙事宇宙，其中 Lisa、权志龙作为 K-pop 领域的代表，显然就已经占据了一定的含金量。
PEACEMINUSONE x Nike x KFA「The Tigers of Asia」联名企划 | Via Nike
此外，在不久前发布的 X2 系列中，Nike 还邀请权志龙主理的 PEACEMINUSONE 以及韩国足球协会 KFA 共同打造合作系列，不断为粉丝们带来新鲜感。
BLACKPINK另外两位成员也同样没「闲着」 | Via Ray-Ban/Levi’s
实际上过去一段时间，类似这样的代言任命和合作联动比比皆是：Ray-Ban 此前也正式宣布 Jennie 成为全球品牌代言人；Rosé 继续深化与 Puma 的合作关系，还在今年的超级碗前夕成为 Levi’s 的全球品牌大使。
柳智敏的商业影响力同样愈发凸显 | Via GENTLE MONSTER/Mark & Lona
XG与 G-SHOCK 推出首个合作系列 | Via G-SHOCK
柳智敏则不仅成为了 GENTLE MONSTER 的「新门面」，还在此前被高尔夫品牌 Mark & Lona 任命为首位女性品牌大使。当红年轻女团 XG 也在成为 G-SHOCK 全球大使后，在不久前推出了双方的首个合作系列。
VANS x CORTIS | Via VANS
这些看似分散的合作背后，其实都共同指向同一个趋势。过去十年，奢侈品牌曾经是 K-pop 偶像最重要的合作对象，而今天从运动、户外品牌到高尔夫、眼镜等各种不同领域的品牌，几乎所有时尚相关行业都开始争夺这些 K-pop 偶像资源。这种变化不仅体现着 K-pop 文化影响力的进一步扩张，也意味着整个产业正在重新寻找与年轻消费者建立连接的方式。
Met Gala 2026 | Via The Hollywood Reporter
如果把时间拨倒回到五年前，K-pop 明星与时尚品牌之间最主要的合作逻辑其实非常简单——奢侈品牌需要打动年轻消费者，而 K-pop 偶像拥有全球范围内最活跃、最有消费热情的庞大粉丝群体。
aespa 成员 NINGNING 成为 GUCCI 品牌全球大使 | Via GUCCI
社交平台的崛起，让偶像与粉丝之间建立起了前所未有的连接关系，而 K-pop 偶像相比原来以欧美圈层为核心的传统艺人，有着更高频率的内容输出和更强的社群运营能力，这对于时尚行业而言，无疑是一种极具吸引力的能力。
BLACKPINK 现象级的成为奢侈品牌矩阵的代名词 | Via BLACKPINK
于是我们看到 BLACKPINK 现象级的成为奢侈品牌矩阵的代名词：Jennie 与 CHANEL、JISOO 与 DIOR、Rosé 与 SAINT LAURENT、LISA 与 LV，这些合作不仅创造了巨大的社交媒体流量，也让韩国偶像第一次真正意义上拥有了全球时尚产业的核心影响力。
但正如我们开头所提到的，如今情况已经发生了一些变化。
《K-POP：猎魔女团》原声歌曲《Golden》先后获得格莱美奖、奥斯卡金像奖等奖项 | Via The Hollywood Reporter
伴随 K-pop 文化与娱乐行业的进一步扩张和全球化，他们所影响的早已不只是亚洲市场，这也是越来越多品牌将 K-pop 偶像纳入全球战略，而非区域营销计划的重要原因。
HYBE、JYP、SM、YG 四大公司将携手打造「韩国版 Coachella」 | Via The Korea Herald
与此同时，品牌对 K-pop 明星的需求也正在发生转变。当奢侈品行业整体增速放缓，越来越多消费者开始削减高价时装消费时，更多偏向大众消费群体的运动、户外品牌以及不同品类的生活方式品牌，开始将 K-pop 明星视为新的增长引擎，这也使他们的商业价值开始被重新定义。
「Jennie 同款」早已成为热度代名词 | Via CHANEL
如今品牌不再满足于偶像出现在秀场头排或广告大片中的曝光，而是需要将流量和话题转化成更直接的消费，在这一点上没有比 K-pop 明星更擅长影响年轻人的生活方式和消费选择了...
Via Instagram @xxxibgdrgn
你会发现，无论是薄底鞋、Gorpcore 等时尚热潮，还是小众运动和生活方式的流行趋势，韩国市场都在其中扮演着重要角色，这也很大程度上恰恰是 K-pop 明星在时尚领域所体现的驱动力。
Via Prestige
粉丝们不仅关注音乐作品，也会关注他们在穿什么、用什么...从这一点来说，那些更容易负担、也更容易被复制和模仿的大众消费品牌反而更具优势，这也是为什么如今它们对于 K-pop 明星的争夺愈发激烈的原因。
可以说，K-pop 明星在时尚领域的话语权提升，其实也是亚洲文化影响力不断扩大的结果，这种变化不仅体现在销量层面，也直接反映在品牌策略的调整之中。
如今他们已经成为连接品牌与消费者之间最有效的桥梁，一方面既拥有高流量高话题度的明星光环，能够在高端的奢侈时尚领域建立影响力，另一方面又保持着相对真实的生活化形象，出现在普通消费者的日常穿搭讨论中。而这...正是许多品牌如今最看重的能力...
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Nicolas Winding Refn 与小岛秀夫「Satellites II」 | Via PRADA
PRADA 向来不是一个将自己局限在时装系统之内的品牌。多年来，品牌通过与电影、当代艺术、建筑和文学之间的持续对话，构建起自身文化身份中相当重要的一部分，也让许多合作不只是简单「形式露出」，而更接近一种文化项目。
去年，小岛秀夫与 Nicolas Winding Refn 在东京 PRADA 青山店，以名为「Satellites」多媒体展览的形式展开，将创意、沟通与技术之间的关系作为核心。今年，这一项目延展为纽约 Hotel Chelsea 的第 14 届 Prada Mode「Satellites II」。相比东京站，「Satellites II」进一步深入两位创作者之间的友谊与创作对话。通过空间叙事，呈现私人环境与公众可及性之间的平衡，并以古典而前卫的科幻美学重新想象这一历史场域。
Via PRADA
Miuccia Prada 在被《Perfect Magazine》问到如何培养个人品味时，她的回答是「学习、学习、学习，去看电影、看艺术、读文学」，这几乎指出了 Prada Mode 的文化路径。由此来看，与小岛秀夫的合作也就显得顺理成章。
Via SSENSE
时尚品牌与游戏设计师，原本像是处在两个并不相通的领域，但在小岛秀夫身上这种边界早已变得模糊。
在 3A 电子游戏领域谈及「作者型游戏制作人」时，他几乎是少数能够被大众直接叫出名字的人。 3A 游戏制作成本高、团队庞大、商业风险大，显然「作者」这个角色是很难出现的，因为无法完全围绕一个创作者的个人表达来推进。即便这个人的创作愿景再艺术化，也不代表它一定能卖得好。然而，自从小岛秀夫进入电子游戏行业以来就一直在担任这样的角色。
《死亡搁浅 2》制作幕后 | Via Metal Gear Informer
大多数电子游戏受到其他游戏的影响，但小岛秀夫的创作却深受电影情结影响。他的工作方式也比较特殊，甚至会参与整个游戏制作过程的每一个层面：企划、剧本写作、导演、剪辑、游戏设计、细节调整、选角、指导演员与表演、音乐制作、宣传、合作、制作（涉及众多环节且环环相扣），以及作为导演监督整个创作过程。
Via Metal Gear Informer
多数大型 3A 项目或好莱坞大片中会有多位导演分别负责制作中的不同部分。比如在游戏中，可能会有分别负责关卡、战斗或过场动画的导演。通常来说，编剧并不会直接接触游戏玩法，这是一个分工明确的流程。但对小岛秀夫来说，从概念诞生的那一刻，到项目的细节，甚至最终的宣传策略都会全面参与。
《死亡搁浅》和《死亡搁浅 2》角色「大合影」 | Via Kojima Productions
在《死亡搁浅》系列中，美国演员 Norman Reedus、法国演员 Léa Seydoux、丹麦演员 Mads Mikkelsen 以及共同与 PRADA 合作的 Nicolas Winding Refn 都分别以不同角色形象和形式出现在游戏。不过，他并非简单地将这些演员的形象置入游戏制造话题，而是让其真实气质、情绪、表演方式与个人特征反过来影响角色塑造和叙事方向。这让他的作品有着强烈的电影化风格和复杂叙事，足以影响几代玩家，同时不断模糊游戏、电影与流行文化之间的边界。
小岛秀夫与合作男演员 Norman Reedus、Mads Mikkelsen | Via Google
而小岛秀夫与电影之间的联系，几乎可以追溯至他的成长时期。Bridgestone 的人物报道中提到，小岛秀夫小时候曾梦想成为电影导演、小说家，甚至宇航员。在他 13 岁时父亲去世，这段经历反而强化了他成为电影人的决心。早年，小岛秀夫曾和朋友尝试拍摄电影，也在大学期间渴望过进入电影行业。
Via TechRaptor.
后来他发现，自己所在地区没有合适的电影学校，加上当时日本电影预算有限，难以拍出自己真正感兴趣的作品，于是开始寻找另一条路径。也正是在这个阶段，他接触到 Nintendo Famicom，并意识到游戏或许能够成为创造「电影般体验」的媒介。1986 年，小岛秀夫加入 Konami 正式进入游戏行业。但这时候的他并不认为自己只是退而求其次，而是很快意识到游戏未来的重要性，并逐渐爱上了这种互动媒介。
Via Engadget
由于篇幅限制，关于他的个人背景就不过多展开了。通过不同的报道和采访可以发现，小岛秀夫并不是简单把电影元素加入游戏，而是长期把游戏视作电影、文学、音乐与互动体验交汇的创作媒介。即便你没有玩过《死亡搁浅》系列，但打开电脑查一查，你就会发现他作品已经清晰展现了小岛秀夫与电影界的密切联系。
小岛秀夫与日本女演员忽那汐里（Shioli Kutsuna）接受 VOGUE 访问 | Via VOGUE
值得一提的是，小岛秀夫在过去几年持续受邀出席各类时尚活动、与时尚杂志进行内容联动和拍摄，身份定位已经接近圈内时尚 icon 或明星偶像，并建立起一种远离传统游戏开发者刻板印象的公众形象，成为时尚界新型文化人物。
Via RAIN Magazine
他曾经说在游戏行业自己像个「局外人」，不太能和行业内的人产生连接，甚至有种疏离感，没法和他们谈论自己热爱的事物——电影、音乐、艺术或哲学。和电影、艺术、时尚领域的人却可以很自然地让对话持续流动，所以更愿意在与这类圈子的人交往上花费更多时间。
office magazine 为小岛秀夫拍摄的造型片 | Via office magazine
另外，小岛秀夫的美学宇宙具有极高辨识度且充满象征意味。在奢侈品牌不断寻找新文化语言，以保持相关性并为消费者提供新体验的当下，小众游戏文化成为极具潜力的探索领域。他或许比任何人都更成功地让电子游戏对时尚与创意人群产生吸引力。
ACRONYM x Kojima Productions | Via Instagram @erlsn.acr
对于年轻潮流爱好者来说，游戏里的角色造型、装备系统等，和电影、MV 一样会影响他们对风格的理解。一个角色在虚拟世界中通过什么服装和装备建立身份，也正在改变现实生活中人们对于造型呈现和自我表达的想象。
Via Google
小岛秀夫游戏作品中大量强烈的造型语言：机能装备、未来制服、战术系统、超现实科技装置等，这些元素和过去很长一段时间的时尚美学有着天然重叠。Gorpcore、Techwear 以及末世美学等风格的发展，其游戏中的服装设计与角色设定也提供了重要参考，也为时尚界带来了更多合作的可能性与价值。
Via Hube Magazine
游戏已经不再只是品牌年轻化营销的外部工具，而是逐渐成为时尚理解当代视觉文化的重要入口。小岛秀夫接受 Hube Magazine 采访时说：「真正塑造我这个人的，是传统艺术、文化、习俗，以及各种模拟时代的娱乐形式。电影、小说、绘画、雕塑、当代艺术、戏剧、音乐、历史、喜剧——这些都塑造了我是谁。」可以发现这唯独没有提到游戏，因为他只是在游戏这个媒介中创作电影和艺术。这并不是一个有意识的选择，而是某种必然的结果。
自备受赞誉的《合金装备》发布后，小岛秀夫就已不只是一个游戏设计师。那些怪异而鲜明的风格选择，以及深度复杂的故事线，让他持续推动着这个深受商业逻辑牵引的行业边界——被游戏中贯穿始终的音乐吸引，被其中出现的服装与文化启发，这种体验已然超越游戏本身。像 PRADA 这类不断尝试走出服装本身的头部时尚品牌，在寻找新的叙事方向和形式时，这样的创作者自然成为一个值得被关注的对象，也反应了当代文化的影响力已不再由特定身份决定。
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Via HELLO! Magazine
一个令人难忘的瞬间，莫过于 Meryl Streep 出席纽约《穿普拉达的女王 2》宣传活动时，身穿的 Dolce & Gabbana 酒红色风衣。和此前在 Dolce & Gabbana 以「米兰达」造型亮相时穿着的裸色风衣款式相似。由于电影话题热度持续升温，其此次出席活动的造型也备受关注。
Via Instagram @justjared
除此之外，一众主流时尚品牌，正通过不同设计形式演绎这种塑料感服装。毫不夸张地形容就是：这种原本被认为是廉价塑料感的亮面材质，正在被赋予皮草或是丝缎服装的叙事高度。
Tom Ford 2026 秋冬 | Via VOGUE
首先，Haider Ackermann 重新挖掘了雨衣的先锋潜质，将经典影像符号融入现代时装叙事。在其首秀 Tom Ford 2026 秋冬秀场中，透明雨衣造型精准复刻了《American Psycho》（美国精神病人）中 Patrick Bateman 的银幕形象。通过透明材质与精致西装的层叠，将其冷酷与秩序感注入高雅时装。而 SAINT LAURENT 的 2026 春夏以及 2026 秋冬系列中都出现了灵感源于塑料雨衣的设计，利用超薄尼龙和亮面橡胶进行现代多样化呈现。
SAINT LAURENT 2026 秋冬及 2026 春夏系列 | Via SAINT LAURENT
Calvin Klein 和 Lacoste 则带来比较常规的版型，透明塑料感雨衣延续了 90 年代的视觉风格，但在材质和层次上做了现代化处理。仅从秀场图片来看，两款雨衣大概率采用了类似轻薄 PVC 的材质，光泽感没有那么强烈，整体更偏哑光质感，近乎液态的视觉效果，也没有那么「廉价」。
Calvin Klein & Lacoste 2026 秋冬系列 | Via Gorunway、BehindTheBlinds
Chloé 2026 秋冬 | Via Chloé
Kent & Curwen & BOTTEGA VENETA | Via VOGUE
Bottega Veneta、Kent & Curwen 与 Chloé 的设计共同呈现出极高光泽度的亮面质感，和开头 Meryl Streep 穿着的那件 Dolce & Gabbana 拥有同样的视觉效果，为穿着者塑造强烈的气场与焦点感。
Bottega Veneta 以光泽皮革模拟塑料感营造视觉欺骗，形成近似镜面反光的视觉效果；Kent & Curwen 则用透明或半透明材质的高光处理，突出都市冷峻与结构感，整体廓形硬朗却不失灵动；Chloé 以长款剪裁与柔性高光材料融合，结合精致层次和袖口细节，展现优雅与力量感的统一。
Maison Margiela 2026 春夏系列 & LOUIS VUITTON 2026 秋冬系列 | Via Maison Margiela、VOGUE
在材质与版型解构方面，Maison Margiela 将居家浴袍「塑料化」呈现，与传统雨衣的外形和功能都形成反差。LOUIS VUITTON 直接大胆挪用「游客式雨衣披肩」的形象，将其置于高级奢华成衣的语境下，对平庸审美反讽与重塑，廉价服装玩出精致高贵感。
Via The Impression
还有就是封面图展示的，来自 Walter Van Beirendonck 2026 秋冬系列。秀场以一辆电动摩托车开场，车身覆着的黄色布罩让人联想到日常生活中雨天骑行时的「摩托雨衣」。
《美国精神病人》| Via KASK & Conservatorium
这类服装成功的时尚转变还离不开一些极具代表性的荧幕形象塑造。延续前面提到，除了 Haider Ackermann 在 Tom Ford 首秀中致敬的《American Psycho》，还有不少经典电影角色，因穿着透明塑料感的雨衣而成为时尚瞬间。
《Singin’ in the Rain》、《It Always Rains on Sunday》| Via IMDb
在经典音乐片《Singin’ in the Rain》（雨中曲）中，三位主角身穿黄色雨衣穿行于灰色街道的画面，成为影史极具代表性的经典瞬间之一。而在英国电影《It Always Rains on Sunday》中，Susan Shaw 的雨衣融入伦敦阴郁的氛围，为雨天增添一抹沉静。
《Modesty Blaise》1966 | Via Pinterest
1966 年的间谍喜剧电影《Modesty Blaise》在当时票房惨败，但在后世被认为是具有独特视觉风格的邪典电影。由 Monica Vitti 和 Terence Stamp 饰演的主角，蓝黄 PVC 雨衣成为风格符号。（色彩组合跟下面 Ye 与 Bianca 的蓝黄雨衣街拍神似）
Ye 与 Bianca | Via Google
一些名人的公开造型也为塑料雨衣提供了现实穿搭范本，成为视觉焦点。Ye 和 Bianca 曾在雨中出街时被拍到身着 BALENCIAGA 雨衣，以及早些时候 Bianca 十分大胆的真空 Prototypes 透明大衣造型。
Addison Rae & Lady Gaga | Via Instagram @addisonraee、tvgroove
舞台上，新生代偶像 Addison Rae 在社交账号分享其粉丝雨衣造型，而 Lady Gaga 在 2011 年格莱美演唱《Born This Way》时的半透明乳胶造型也是令人印象十分深刻。两组相隔约 15 年的造型，营造出同样的先锋视觉效果。
60 年代开始 PVC 正式被当做材料使用，塑料雨衣逐渐时尚化 | Via Pinterest
塑料雨衣作为时尚设计语言甚至可以追溯到几十年前。早在 19 世纪初，Charles Macintosh 不愿再看到羊毛雨衣被雨水浸湿后变得沉重，突发奇想地将液态橡胶涂在两层布料之间，制成了最早的防水外套。但这款外套存在的明显缺陷是，遇到寒冷天气会变得非常僵硬，但在炎热的天气下又散发出刺鼻的橡胶气味。
后来，美国发明家 Charles Goodyear 尝试将橡胶与硫混合，使得这种材料稳定性大幅提升，为后来的雨衣普及和改良奠定了基础，也扭转了这件单品的命运及发展走向。PVC 于 20 世纪初完成工业化开发，并在此后逐步被应用于服装及消费品领域，让雨衣实现轻便、防水和可塑性并存，也为后来的时尚化赋予更大潜力。
1963 年 Mary Quant 的 Wet Collection | Via V&A、Reddit
60 年代，这种材质深度影响当时的设计师。当时最具代表性的是时尚先锋 Mary Quant 在 1963 年推出的开创性 PVC 防雨系列 Wet Collection，这个系列的成功让她首次登上《VOGUE》英国版封面。也正是在这个年代，雨衣的身份发生变化，它成为独立女性和神秘气质的象征。
从时尚档案账号 @thedigitalarchivist 分享的资料中可以看到，YSL 也早在 60 年代就开始推出乙烯基风衣，并分享了从 60 到 80 年代的女星穿搭。
Via Instagram @thedigitalarchivist
后来，诸如 André Courrèges、Pierre Cardin 和 Paco Rabanne 等品牌，将雨衣做成「未来女性制服」，以契合当时创意狂想的时代。这类服装剪裁利落，且带有非常光亮的材质，呈现太空时代感。以 Kansai Yamamoto 为代表，雨衣在 80 年代的设计挪用更狂野，甚至带有点超现实的科幻感。
Pierre Cardin | Via Pinterest
L'officiel 杂志 70 年代的造型片，服装来自 André Courrèges | Via Pinterest
Kansai Yamamoto、Thierry Mugler 80 年代作品 | Via Messy Nessy、Pinterest
进入 90 年代末到千禧年初，在 PRADA、Helmut Lang 和 Raf Simons 等品牌的演绎下，雨衣的设计又逐渐收敛回归其功能本质。通过涂层尼龙和蜡布，甚至是橡胶材质，再配合简约利落的剪裁注入时装系列。
Raf Simons 2002 秋冬系列，这季有非常多灵感源自雨衣的设计 | Via VOGUE
不过，所谓「塑料雨衣回归」或许还很难被直接定义成「趋势」。毕竟这不像某种鞋型、某种包款那样具备清晰的日常消费路径，也并非所有人都适合把高光泽、透明或 PVC 质感穿进现实生活。但时尚之所以耐人寻味，就在于这种曾经被视为功能性主导的廉价感材料，在不同时代，不同设计师作品反复出现后有了新的风格定义，也让我们重新思考塑料材质如何与身体、时尚产生新的联系。
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合作中提到双方未来将不仅限于打造专业篮球鞋，还全面覆盖运动休闲服饰以及一条完整的高尔夫产品线，此外库里还可以以个人品牌（Curry Brand）的名义去签约其他运动员，这意味着李宁将作为底层研发和供应链平台，支撑 Curry Brand 建立自己的球星矩阵。
消息一出，全世界都在讨论这笔签约的价值如何，对于库里、李宁甚至是中国品牌又有着怎样不同的意义？顺着这个话题，NOWRE 的编辑部同事们也带来了各自的看法：
Via 李宁
Michael Jordan 和 Nike 让 Jordan Brand 成为传奇，并且还在延续。谁不想拥有像 Jordan Brand 一样的传奇呢？显然库里也想，但 Nike 不会给已经在职业生涯尾段的巨星这种机会，所以最终库里选择了李宁。
Via Instagram @hoops_highlights1
今天库里与李宁签约 10 年的消息官宣后，海外媒体将其定义为「landmark deal（里程碑级合同）」，有判断双方合约总价值或达到数亿美元级别...且不说这个数字多么夸张，双方身份的变化也是相当重要的。他不仅拥有独立运营的 Curry Brand，还获得了签约运动员、拓展产品线以及全球门店布局的权限。换句话说，他不再只是穿李宁的人，而是在和李宁一起搭建自己的「品牌矩阵」。卖多少球鞋显然已经不是库里在乎的事情了，否则和 UA 的合约也没必要结束。库里需要的是在退役之后留下一个长期存在的品牌资产。
Via kjstocked.numbers
韦德曾帮助李宁打开北美篮球圈层，但库里的级别显然更高。他不仅是 NBA 历史三分王，更是近十年全球篮球文化最具代表性的人物之一。当 Curry Brand 与李宁全球渠道结合后，李宁获得的不只是销量增长，更是进入欧美主流运动消费市场的门票。它第一次让一个美国现役超级巨星，把自己职业生涯后期最重要的品牌资产，押注在一家中国运动品牌身上。
所以这件事最值得讨论的，不是「库里签了李宁」，而是全球运动品牌权力结构正在发生变化。过去是中国品牌寻找国际巨星，如今则是国际巨星开始借助中国品牌完成自己的全球化野心。这或许才是这份 10 年合同背后，真正昂贵的价值。CURRY BRAND, ASSEMBLE！
大学、NBA 生涯早期，Stephen Curry 就已和 Nike 绑定 | Via Nice Kicks
印象中，功成名就的传奇「回家」，总归是最受追捧的典型大团圆结局。但在 Stephen Curry 长达半年的球鞋品牌下家争夺中，他没有选择回到初入 NBA 时的「家」——Nike；而是与中国品牌李宁，结成良缘。
结果不意外，毕竟早前各种坊间消息已沸沸扬扬，大家都有心理预期。关于李宁自身的品牌力、产品力，以及和 Stephen Curry 的未来可能，也早已被不止一次提及和畅想。但反过来想，Nike 这个「家」，他为什么不想回？
Via SBD
往过去看，从新秀年乃至大学时期就与 Nike 绑定的 Stephen Curry，无疑被「伤」得不浅：直接套用招募 Kevin Durant 的 PPT 模板、写错名字、仅 250 万美元/年的续约报价等等诚意不足的表现，让 Curry 心灰意冷，直接导致他最终离开 Nike 被安德玛捡漏，铸成体育商业史上著名的「400 万美元事件」。
2013 年，被 Nike「敷衍」对待后，心灰意冷的 Stephen Curry 转投安德玛 | Via SBD
往现在和未来看，Nike 昔日「龙头老大」的断层吸引力，显然没那么大了。可即便「不及当年勇」，Nike 依然体量庞大；对他们来说，任何级别的球星，在品牌体系中也只能且必须是「隶属」的签约关系，而不可能「并列」。Jordan Brand 这样的先例，大概率也只是独一份；且这还建立在那时 Nike 急需通过这种绑定，在生死存亡之际完成自救。说句难听的，哪怕把乔老爷子放在当下，或许也不会有此待遇（当然，假设无意义，没有 Michael Jordan，Nike 不一定有现在的地位）。
Stephen Curry 想要的更大商业版图，Nike 无法给到他| Via Reddit
而已奠定绝对影响力和商业价值的 Stephen Curry，肯定不甘愿只在某个品牌下担任一位「签约球星」；况且其个人品牌 Curry Brand，也是明确打包资产。满足不了这一前景诉求的 Nike，没法把这位「俄亥俄的孩子」带回家，也是情理之中。
Stephen Curry 与 Nike 的情缘只能留在记忆中，愿未来各自安好 | Via nicekicks & basketpack.
即使乱穿鞋时期，Stephen Curry 曾用生涯首场圣诞战靴 Hyperdunk 2010、Zoom Kobe 正代等球鞋表达过自己对 Nike 的感情与回忆；但他终究还是往前看、往自己生涯最大可能性看、往更有企图的商业版图规划看了。2013 年的那次错过，再不舍，也已经是永远。
Via Reuters
即便已经 38 岁，但库里仍然是全球最具影响力的篮球运动员之一，是 NBA 收视率、球鞋销量和商业价值的核心人物之一，所以从影响力层面看，这毫无疑问是中国运动品牌至今最重量级的一次签约。
过去十几年里，韦德系列的确很成功，但毕竟属于退役传奇，对于品牌来说始终缺少一个能够持续影响未来十年篮球市场的超级 IP，而如今库里带来的不是单纯的签名鞋，而是完整的 Curry Brand，实际上也就意味着品牌获得的不只是一个代言人，而是一个可以在未来，哪怕是他退役后仍然能够长期成长的品牌生态。
Via Sports Illustrated
能达到这个影响力的，哪怕是 NBA 里也屈指可数，值得兴奋的是，李宁抓住了这个机会。过去中国品牌出海大多有两个路径：第一阶段是赞助赛事；第二阶段是签约海外球星，而如今可能意味着已经迈入了一个新的阶段：库里背后代表的是美国体育文化的一部分，也是一个时代符号，在过去中国品牌说到根上更多是借助球星卖货，甚至针对的市场主要以本土消费者为主，而如今打破的不仅仅是全球篮球鞋的市场格局，更是文化层面和牌桌上话语权的格局。
Via Stephen Curry
早前库里将「乱穿鞋」时期所穿过的球鞋交由 Sotheby’s 拍卖时，外界对于他下一站的猜测便已经开始发酵。上期聊拍卖的时候也有提到，以库里在中国市场的流量与号召力，他的新选择会不会是一个中国品牌？现在，李宁给出了答案。
Curry Brand Series 7 | Via Rookicks
随着签约官宣，篮球鞋市场的权力结构也许正在发生变化，也呼应上面小标题的疑问。过去我们在买球鞋的时候，很大程度上认的是品牌，不同品牌代表不一样的技术体系、球星矩阵和市场位置。当然，不是说球员的个人影响力不重要，但一直以来球星基本也是依附在大的品牌体系之下，被包装成某个签名鞋系列。科比、詹姆斯、哈登和韦德等球星，都在不同程度与品牌构建了签名鞋宇宙。
而库里的的特殊性在于，他已经拥有 Curry Brand，只是过去它依附于 Under Armour 的系统之中，并且现在带着它一起转向李宁，这等于提出了一个新的问题：球星个人品牌是否可以像独立公司一样更换平台、迁移资源，并继续扩大？如果这个答案成立，那么未来运动品牌与顶级运动员之间的关系会变得更加复杂。
Via License Global
未来球星会不会发展成带着自己的品牌资产、市场号召力和长期叙事，慢慢重塑与运动品牌的合作价值和形式？库里加入李宁，也许正是这种新关系开始变得清晰的一个关键节点。
Via NBA
在看完整个官宣内容之后，给我留下最深印象的是，库里被授权可以以个人品牌（Curry Brand）的名义去签约其他运动员。传言当初库里非常希望能够招募 WNBA 最炙手可热的球星凯特琳·克拉克（Caitlin Clark），但安德玛却在没有优势的情况下，给出的报价远低于 Nike，这不仅让安德玛失去了一个有希望重振篮球鞋业务的球星，也成为了库里离开安德玛的导火索之一。
Via Instagram @stephencurry30
已经接近生涯暮年的库里，如果仍然仅仅是延续球星签名鞋的套路，市场影响力很有可能是比不过其他运动品牌旗下的冉冉升起的年轻运动员，所以库里和李宁的这个合作就让我感到有很强的「布局性」。
雷霆队的 McCain 以及马刺队的 Castle 都在今年的季后赛大放异彩 | Via Instagram @stephencurry30
今年的 NBA 季后赛，例如马刺队和雷霆队涌现出很多打出非常优秀的赛场表现的新球员，而这些球员大多数都没有球鞋代言合同，并且有部分球员还曾经参加过库里的篮球训练营 Curry Camp。Curry Brand 能够自主招募运动员，就说明了库里其实是把眼光放在了「未来」，放在了与其他运动品牌争夺潜力新星的博弈当中。加上库里的现役球员身份，他与年轻球员之间的沟通会比运动品牌的公关们更加直接和深入，或许我们在不久之后会看到库里的 Curry Brand 组建出一支「Curry Team」。
Via Instagram @stephencurry30
与此同时，双方的合作范围还包括一条完整的高尔夫产品线，也就是说 Curry Brand 签约的运动员不会仅限于篮球员。鉴于库里对高尔夫的热爱，他同样也可以透过自己的人脉，让 Curry Brand 签下一些高尔夫运动员。届时，不仅 Curry Brand 能变得更多元化，李宁也有打入更多运动项目的市场的机会。
库里加盟李宁最重要的意义，或许并不在于未来球鞋能够创造多少销售纪录，也不在于这份合同究竟价值多少亿美元。真正重要的，是这一合作所折射出的品牌关系变化。未来十年，它是否会成长为属于李宁的「Jordan Brand」，又最终算不算是一次昂贵、大胆且最终收获成功果实的长期投资，值得我们更多期待。
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Via Instagram @aliveform.bio
过去几年里，3D 打印鞋其实已经经历过一次相当明显的热潮。从最初让人眼前一亮的「未来感概念」，到后来越来越多独立品牌与设计师开始投入这一领域， adidas、Nike、New Balance 等运动品牌也都高调入局，甚至连部分奢侈品牌与先锋时装品牌也开始尝试数字化鞋履设计与参数化结构设计，当时不少人都认为 3D 打印鞋很可能会成为后球鞋时代的重要方向。
但几年过去之后，现实的发展却并没有完全按照这个趋势继续推进。鞋履市场不但没有变得越来越「未来」，反而越来越「复古」。相比之下，3D 打印鞋虽然依旧存有一定声量，也仍然拥有稳定的受众，但它似乎最终还是没能成为大众日常的一部分，而是逐渐回到了先锋玩家、小众穿搭群体与实验性设计领域之中。
Via Metro
如果把时间拨回数年之前，会发现 3D 打印鞋刚刚进入大众视野时，整个行业对于它的期待其实非常高。
早在 2014-2016 年期间，虽然「3D 打印鞋」这个词还没有真正进入大众讨论，但数字化鞋履设计其实已经开始出现。这个阶段主要包括参数化结构、Computational design、建筑式鞋履、数字建模概念鞋，在工业设计圈、概念设计社区、Instagram 以及 Behance 等领域快速传播。
Via Dezeen
很多作品其实不能称之为真正的商品，更像是数字雕塑、CGI 概念图甚至是建筑模型，但也正是这种强烈的未来感，开始让越来越多人意识到鞋履设计已萌芽出新的阶段。
Via GQ
adidas 也是在这一阶段开始参与其中。2015 年推出的 adidas Futurecraft 3D Runner，就已经开始尝试 3D 打印中底、数字制造以及参数化结构。不过 adidas 这个时候使用的还是比较传统的 layer-by-layer 3D printing（逐层打印），速度慢、成本高、产量低，所以它更像技术展示与概念实验，还没有真正形成大众热度。
Via GQ
Via GQ
不久之后，adidas Futurecraft 4D 的面世则完全不一样，adidas 联合了 Carbon 采用的是 Digital Light Synthesis（DLS）技术，制造速度得到大幅提升，不仅可以量产，还能一定程度上进行个性化打造。adidas 甚至提出 2018 年之前要生产 10 万双以上。
Via GQ
随着 Futurecraft 4D 引爆讨论之后，整个 3D 打印鞋生态开始快速扩张。Nike Flyprint、New Balance Triple Cell、Under Armour Architech 等各大运动品牌的新鞋款都纷纷用上了 3D 打印这项时髦的技术。
Via Instagram @scry_lab
与此同时，独立的数字鞋履品牌 Zellerfeld、SCRY 等也开始更纯粹地钻研 3D 打印鞋，他们也逐渐形成自己的生态，潮流时尚博主们也纷纷晒出运用这些 3D 打印鞋款的先锋穿搭造型。整个时尚行业，逐渐开始进入一种「未来鞋履想象」。
Via Instagram @aliveform.bio
从当时的氛围来看，3D 打印鞋的发展让人令人热血澎湃。它看起来像是球鞋行业即将到来的下一阶段。但几年过去之后，现实的发展却并没有如想象中那样继续推进。
真正统治市场的依旧是 Samba、Gel-Kayano 等或者是传统 Loafer 这些更经典、更复古的鞋款。为什么如此具有「未来感」的 3D 打印鞋，最终却始终没能真正走向大众？
Via Instagram @aliveform.bio
3D 打印鞋的发展没能切实地实现当初大家对它的高期待，其实并不能单纯地说是这项技术的「失败」，客观上既有时尚趋势变化的因素和它自身的特殊性质，另外也因为大厂在商业方针上的理性调整，以及小众独立品牌找到了更自洽的生态位。
前几年 3D 打印鞋履风靡之际，也正值元宇宙、数字时尚与 CGI 概念大行其道的技术乐观主义时代。人们对鞋履的想象是科幻的、虚拟的、超现实的。
然而，在 Quiet Luxury、Normcore、Gorpcore 以及 Vintage Sportswear 这些趋势出现之后，全球时尚审美在逐渐地「降噪」，市场越来越偏向低调实穿、不夸张的长期主义。
Via Instagram @aliveform.bio
而 3D 打印鞋，恰恰代表的是一种非常高调的未来主义。它强调结构、强调造型、强调视觉存在感，这其实和当下大众审美，反而是有点逆行的。
当大众开始对冰冷的算法美学产生审美疲劳时，情感的指针便偏向了那些带有温润物理质感和历史沉淀的单品。以 adidas Samba、Puma Speedcat 或是 Asics Gel-Kayano 为代表的复古薄底运动鞋或传统复古慢跑鞋，它们凭借皮革折痕、橡胶大底以及带有温度感的经典轮廓。
Via Instagram @aliveform.bio
在大众消费者的认知中，一双日常鞋履的基本盘是舒适、耐用与低维度的通勤适应性。而在现阶段，3D 打印技术的某些物理属性，确实让它在全面走向普罗大众时存在一些需要解决的问题。
Via Instagram @thegoodlifespace & @shitsmint
早期大厂试图通过精密的参数化晶格结构来提供精准的物理支撑。但在日常穿着中，这种基于算法的物理支撑相比于传统的发泡材料，其脚感往往更偏向线性反馈，缺乏传统发泡材料的柔软回弹感。对于习惯了传统运动鞋「软弹感」的大众消费者而言，纯打印鞋履在长距离步行时的脚感仍有优化空间。
Via Instagram @aliveform.bio
3D 打印鞋履为了追求透气性与视觉冲击力，往往采用极其复杂的网格、孔洞与参数化镂空设计。在真实的城市街道中，这双鞋便变成了一个天然的「吸尘器」。遭遇雨天时的泥水灌入，或是日常行走中夹带的细沙与异物，由于其一体成型的复杂内腔结构，其清理与维护成本对普通消费者而言近乎一场灾难。
面对市场反馈，曾高调入局的运动巨头与奢侈品牌们其实也没有真正「离场」或唱衰这项技术，而是将商业策略调整得更加务实与清醒。
Via Instagram @adidastalkph
adidas 并没有放弃 3D 打印，而是改变了当初想要「重新定义鞋履工业」的激进想法。品牌开始将研发多年的参数化结构融入到更具大众基础的常规产品线中。例如 Clima Cool Laced 既保留了 3D 打印带来的精准透气性能与视觉辨识度，又兼顾了量产效率与大众穿着的舒适度。
Via Instagram @zellerfeld
Nike 同样在调整自身在数字制造领域的生态布局。除了将 3D 打印技术作为精英运动员的定制方案外，Nike 与头部 3D 打印平台 Zellerfeld 的合作也依然在紧密进行当中，选择这种「外部共生」的模式，既能保持在数字设计与未来材料领域的领先地位，又能避免传统产线盲目转型带来的商业风险。
Via Instagram @fusedfootwear
在大厂走向理性、大众拥抱复古的当下，纯粹的 3D 打印鞋履反而在一众独立品牌与小众单位手中，展现出了一种极为自洽且垂直的能量。
Via Instagram @fusedfootwear
对于独立设计师品牌而言，传统鞋履制造动辄几十万的物理开模费用是沉重的负担。像 Zellerfeld、Fused Footwear、ALIVEFORM 这样的平台让设计实现了「去中心化」。
Via Instagram @zellerfeld
设计师只需在软件端完成参数调整，就能跳过复杂的供应链直接面向市场。这种「按需打印、零库存」的模式，让独立品牌完全可以不考虑大众的接受度，将鞋履当作「足部雕塑」去极尽疯狂地试验，这使得例如 Kid Super、Heron Preston 等品牌与 Zellerfeld 建立了探索性的合作。
Via Instagram @aliveform.bio
现在的纯粹 3D 打印鞋，其属性已经从一双「用来走路的工具」，转译成了数字时代的一种「先锋收藏品」。购买 THE BLADE 的消费者，购买的已不仅是实用性，而是一种圈层内部的身份认同。正是因为它的稀缺与独特性，它在小众硬核圈层中的圣杯地位才得以真正确立。
如果在现阶段要用总结性的话语来形容 3D 打印鞋的话，那么我认为它只是经历了一场必要的「去泡沫化」过程。它没有像最初人们预言的那样，以一种粗暴的姿态瞬间接管大众的日常生活，而是分流成了两条更清晰的路径：一条作为技术基因，隐形地融入大厂的商业改良中；另一条则继续留守先锋阵营，作为「数字时代的工艺品」，拒绝向平庸妥协。3D 打印技术在鞋履工业的征途远未结束。
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Via Instagram @studio.misoo
但很可惜...实际上这组作品和设计概念均为虚构，完全由 AI 生成。
我知道你一定有种「被耍了」的感觉，这也恰恰说明，这组广告已经具备了足够「以假乱真」的完成度。无论从 AirPods Max 与 BV 标志性 Intrecciato 编织工艺之间的巧妙结合，还是充满时尚大片质感的 campaign 呈现，都让人产生一种「这真的会发生」的错觉。
正是凭借着类似的一系列作品，它背后的创作者 @studio.misoo 在 Instagram 上也收获到了更多关注，而伴随着越来越多类似的实际案例发生，也再次引发了人们对于 AI 在时尚行业应用的想象与讨论。
Via Instagram @studio.misoo
正如所说，这个在 Instagram 上收获越来越多关注的创意账号 @studio.misoo，作品均借助 AI 工具完成创作，而除了前面苹果与 BOTTEGA VENETA 之间的假想跨界合作外，它的账号实际上还有更多类似让人眼前一亮的创意：
Via Instagram @studio.misoo
例如 LOEWE 和网红水杯 STANLEY 的合作水杯，将前者招牌香薰蜡烛一般的雕塑质感与后者的经典杯型相结合，配合精致艺术感的视觉呈现，的确有「官方出品」那味儿？
Via Instagram @studio.misoo
想象 New Balance 与 The Row 之间的联名会是什么效果？这一组或许就是答案之一。围绕经典 574 复古鞋型展开，没有太多的花哨装饰和元素，而是注重质感和细节的精细处理，算是对 The Row 气质相对比较精准的体现？
Via Instagram @studio.misoo
又或者是 RIMOWA 与 Marimekko 打造的联名行李箱？花卉图案以立体凹凸的纹理呈现于箱体，甚至还细节到附带一个同样元素的皮革行李牌。
Via Instagram @studio.misoo
如果 Jacquemus 与知名家居品牌 Alessi 在现实中真的合作，或许就会是类似的表现方式，算是拿捏住了这个南法品牌一向以视觉和氛围感见长的美学风格。
这还没完，实际上除了这些足以「以假乱真」的假想联名外，@studio.misoo 账号另一个创作重点，就是不同品牌的产品 campaign 和造型片。
利用 AI 创作的不同品牌的 campaign 和造型片 | Via Instagram @studio.misoo
从 Cartier 到 Calvin Klein，从 JIL SANDER 到 Miu Miu，你会发现这些作品不但细致真实，对应到不同的品牌所呈现出的风格特质，也能通过图像语言和氛围的构建传递出来，从而创造一种本不存在但却让人可信的效果，与早先生成感明显生硬的 AI 作品已经有着明显的不同。
另一个创意账号 @studio.misoo 的作品也同样惊艳 | Via Instagram @saintlouvent_
更重要的是，类似于 @studio.misoo 这样的账号已经不再是个例，例如 Instagram 上的另一个独立创意人 @saintlouvent_ 也同样因带来过不少惊艳的 AI campaign 作品，吸引到了更多的关注，甚至还曾为 VOGUE China 创作过一组杂志的封面设计：
Via Instagram @saintlouvent_
或许你会感叹，伴随技术的进步，AI 对于时尚产品的影响已经如此巨大，曾经需要一整个团队完成的项目，如今在应用的进一步成熟下，似乎已经可以依靠生成就能进行产出。而纵观过去一段时间，从奢侈时装屋到平民快时尚，不少品牌都早已开始拥抱 AI 技术，不过与 @studio.misoo 这样的账号不同的是，它们面临的争议却不少...
Via Instagram @gucci
很长一段时间以来，时尚行业的「视觉生产」始终建立在一套稳定的工业体系之上：摄影师、模特、产品、灯光、后期，以及围绕这些环节展开的完整生产链。但当数字技术，尤其是 AI 开始介入后，这套体系也逐渐被拆解。
BALENCIAGA 2024 秋冬系列 | Via BALENCIAGA
可以说，如今数字视觉正在快速渗透时尚行业的各个层面。回顾过去，Demna 执掌时期的 BALENCIAGA 或许是最早一批将 AI 引入叙事体系的主流奢侈品牌之一：早在 2024 秋冬系列时，其便直接将秀场转化为一个由 AI 生成景观构成的空间：大量屏幕拼接成隧道式环境，展示高度真实却并不存在的数字场景，观众仿佛置身于一个被算法生成的世界之中。
而如果说早期品牌们的尝试更多停留在概念影像或数字艺术层面，如今这项技术已经真正进入奢侈品牌与时装品牌的核心传播系统——尤其是在广告、campaign 造型等最核心的视觉输出层面。
Via ZARA
最近热点不断的 ZARA，已经开始利用人工智能生成基于真实模特的视觉创作，通过 AI 对模特图像进行二次生成与替换——同一组基础拍摄素材，可以被「延展」为多个不同造型与场景的视觉版本，从而减少重复拍摄需求，同时极大提升内容更新速度 。
H&M 的数字双胞胎模特 | Via H&M
另一快时尚巨头 H&M 也在早先宣布将与 30 位知名模特及其经纪公司合作，通过 AI 技术生成他们的「数字双胞胎」虚拟形象，这样就能模拟出真人模特在各种广告场景中的表现，而无需实际进行拍摄，不仅改变了传统时尚广告制作流程，还大幅节省了拍摄成本。
不过与此同时，这种做法也引发了关于 AI 替代真人模特的伦理问题——它是否能够代替模特传递情感和人类独有的表达方式仍值得探讨，此外也可能会对传统时尚产业链中的从业者产生更加深远的影响。
被指出有多处穿帮 | Via J.CREW
美版 VOGUE 内页的 AI GUESS 广告也被吐槽「廉价」 | Via ON
不仅如此，早先 J.CREW 在 Instagram 上发布的几条模仿 90 年代初旧广告视觉 campaign，也因为存在多处穿帮细节而被网友指责对内容创作的轻视。此外早先美版 VOGUE 内页刊登的由 AI 生成 GUESS 广告，同样被批评是一种时尚媒体行业的「倒退」。
GUCCI 发布的 AI 预告遭到网友猛烈抨击 | Via Instagram @gucci
而近期争议最大的案例，无疑来自于不久前备受关注的 Demna 首场 GUCCI 时装秀，多张由 AI 生成的大秀预告图，被指不符合奢侈巨头的身份，从模特到环境都呈现出一种刻意强化的「非现实感」，甚至有网友评论「一个经典时装屋的灵魂被算法『吃掉了』」。尽管可能是刻意为之，但仍然引发了关于 AI 创作的巨大讨论和争议，其中也反映出一个很重要的问题——当图像不再基于真实拍摄时，奢侈品引以为豪的物理与工艺价值，是否会被极大削弱？
对比刚刚发布的真人造型片？ | Via Instagram @gucci
由此可见，尽管应用层面越来越广泛，但无论是业内还是受众，都在持续引发关于这种创意生产方式的争议。有趣的是，人们一方面惊叹于像是 @studio.misoo 这样的账号利用 AI 创作的优秀作品，另一方面又常常对品牌们缺乏情感与真实感的表达而感到厌烦，而 GUCCI 的案例更是说明，即便在奢侈品牌的语境中，AI 视觉依然容易被解读为「廉价」或「缺乏高级感」 。
Via Instagram @studio.misoo
其中很重要的一点是，@studio.misoo 这类账号本质仍然是聚焦于「创意」和「技术」本身，即便是 AI 生成，但人们对于优秀、精致且具有美感的呈现仍然抱有积极的态度。而相反，当涉及到更多的商业目的后，对于真正应用于市场的成品广告、campaign，看待的眼光和要求则会变得更加严苛。
其实从中我们不难窥探出，人们反感的并非是 AI 本身，而是在这一技术极大降低了创意门槛和创作过程的复杂程度后，导致的视觉风格同质化问题，以及一系列粗制滥造、廉价，甚至是穿帮作品。
这也解释了为什么，品牌在拥抱数字技术的同时，仍然需要强调「人」和「创意」本身的重要性。
AI 可以生成图像，但仍然无法替代创作者的判断与偏好。换句话说，尽管生成的图像越来越精细、标准化，但它更多或许仍然只是作为一种辅助工具，对于品牌们来说，未来的竞争仍然关乎于审美与叙事能力，而真正稀缺的可能并非是技术，而是在算法中仍然表现出独特视觉语言的能力。
之前时尚数据机构与购物平台 Lyst 按照惯例发布了 2026 年第一季度最受欢迎单品榜单，很多人第一眼看到的依然是那些熟悉的名字：CHANEL、Saint Laurent、CELINE...这些传统奢侈品牌依旧牢牢占据流行趋势的话语权，但其中令人感到意外的，还有一个很多人并不熟悉的品牌——来自巴黎的新兴鞋履品牌 Village PM。
Via Lyst
在过去很长一段时间里，Lyst 单品榜单上的「爆款鞋」通常都有着非常明确的商业逻辑：头部品牌、明星带货、社交媒体刷屏、趋势助推...但 Village PM 的出现，似乎并不完全符合这些传统逻辑——既看不到铺天盖地的广告，也没有传统意义上的流量带货，但偏偏是这样一双看起来「不太起眼」的滑板鞋，最终挤进了全球最热门单品的榜单。
Via Village PM
而这件事最有趣的地方在于，Village PM 本质上仍然是一家非常「小」的品牌。它由 Basile Lapray 与 Bram De Cleen 创立，两人都来自滑板文化内部的圈层，除了本身是滑板爱好者外，前者长期从事鞋履设计工作，拥有在 Salomon 等品牌的从业经历；后者则长期活跃于欧洲滑板媒体和本土滑板社群。
品牌的社交媒体账号发布的更多是滑板视频 | Via Instagram@grindmagazine
这种背景决定了 Village PM 并非是那种脱离了滑板根基的时尚化街头品牌，因此品牌的设计逻辑，本质上始终围绕真实滑板场景展开。尽管创立时间不久，但在正式推出之前，其实已经经历了相当长时间的开发和测试周期，包括鞋楦研发、结构实验，以及大量滑板实测。
在巴黎用一辆厢式车当作 showroom | Via Village PM
进入 DSM 等时尚买手店体系 | Via Village PM
它的特别之处在于，尽管出身于滑板文化，却同时借助时尚行业迅速崛起，品牌真正开始被关注正是源于选择在巴黎时装周上的曝光，这也直接让它迅速进入了 Dover Street Market、HAVEN 等时尚买手店的视野。
Via SevenStore
回到设计本身的话，从外观来看，它的招牌款式 1PM 也呈现出不同于传统滑板鞋的轮廓，甚至带有一些当下流行的户外风格元素。例如极具辨识度的不对称鞋带系统、包裹式的橡胶补强。
此外，鞋身的整体轮廓也偏向细长低帮的薄底鞋感觉，而非是传统的面包鞋经典滑板款式，这都让它和传统滑板鞋有着一定的风格差异。
Via Village PM
这种设计思路，正是来自于对功能结构的重新理解。例如反复提到的「Rubber Glove Construction」，本质上是一种可替换橡胶结构，品牌甚至强调这双鞋可以像专业攀岩鞋一样，由修鞋匠重新更换外层橡胶，而不需要整双报废，在球鞋行业普遍陷入快速消费循环的背景下，更偏向一种「长期主义」的产品哲学。
Via HONEY SKATESHOP
既带有一些户外感的技术表向风格，又蕴含滑板鞋的亚文化街头属性，同时又契合当下流行的穿搭趋势，让 Village PM 与当下整个时尚行业的大趋势形成了某种共振，这或许也是它能够受到欢迎的重要原因。
Via Instagram@tonyrunswag/@imgonnahurtyoubaby
除此之外，本身自带的小众、独立的身份标签也是 Village PM 能够崛起的因素之一。不难发现如今无论是跑步、训练还是其他相关运动领域，都在受众迅速扩张的背景下，逐渐兴起「小品牌」与「独立设计」的审美趋势。
Via Wwi.n.ter/@yapitsm
而 Village PM 先是依靠时装周曝光、时尚买手店系统的推动，再慢慢扩散到更广泛的时尚消费圈层，本身就有非常强烈的「小圈层特性」，在这一点上与 Satisfy、norda 等独立小众品牌的发展路径有着同样的相似之处，逐渐建立起在滑板鞋赛道的流行潜力。
因此我们有理由相信，Village PM 或许在未来还能被越来越多人所关注和了解。而在这之前，如果你已经对它产生了一些兴趣，或者正在打算入手，那么在作为真正的滑板鞋之余，不妨也来感受一下它在日常穿搭的搭配效果如何吧。
当整个奢侈品行业都在面临降速和增长困境时，Ralph Lauren 却交出了一份近乎逆势增长的成绩单——2026 财年品牌全年营收首次突破 80 亿美元，同比增长 15%。
此外还有另外一个关键数据：客单价上涨 15%，同时折扣力度却在下降。这意味着品牌在经历涨价、减少促销的同时，却反而卖得更好了...为什么大家突然又开始穿 Ralph Lauren？
消费者愿意支付更高的价格，甚至开始重新将 Ralph Lauren 视为一个经典且值得长期消费的品牌，这在今天的时尚行业里无疑是一件非常少见的事情。而能够做到这一点，实际上不仅关乎于价格与市场策略，更来自于品牌价值本身的坚持和不断提升。
Via Knox Street
过去几年，几乎所有奢侈品牌都在经历不断的提价，一只经典手袋几年内价格翻倍早已不算是罕见。原因在于，涨价不仅意味着利润提升，也在进一步强化「奢侈品」本身的稀缺性与阶层象征。
「长期主义」成为近年来时尚领域的核心关键词 | Via WWD
但问题是，价格的不断上涨最终会开始产生一种疲劳感，尤其是在今天这个消费逐渐回归理性的阶段，越来越多消费者开始思考产品本身的价值和意义，这也是当下时尚行业兴起「长期主义」的本质原因。
而 Ralph Lauren 与这些奢侈品牌最大的不同，不仅仅是还尚未真正迈进奢侈品行列，更重要的是它将价格维持在了一个相对特殊的区间里：代表着高品质与一定的奢侈感，却又没有高到失去大众消费基础，自然也不会充满距离感。
不同产品线对应着不同消费层级 | Via Instagram@ralphlauren
最简单的道理是，你可以在 Ralph Lauren 买到一件几百元的 Polo 衫，也可以买到 Purple Label 堪比奢侈品的几万元羊绒西装或高级外套。品牌内部同时存在 Polo Ralph Lauren、Purple Label、RRL、RLX 等不同产品线，对应着不同消费层级、生活场景以及审美需求的消费者。
这种足够宽阔的价格体系，其实是 Ralph Lauren 相比于很多时尚品牌最容易被低估的优势之一，它让其同时具备「向上」和「向下」的能力，在今天这个消费分层越来越明显的时代，这就代表着更强的抗风险能力。
人们愿意花更多钱买 Ralph Lauren | Via Drapers
与此同时正如我们开头所提到的，在品牌发布的财报中，其中一项非常重要的数据是在折扣力度下降的情况下，平均销售单价却在上涨。换句话说，其在过去几年重新建立了「原价销售能力」。这件事听起来简单，但在今天的时尚行业里其实很有「含金量」，曾经包括 Ralph Lauren 自身在内的不少品牌都会一度因为过度依赖批发渠道和促销体系，而陷入品牌价值被稀释的问题，让如今越来越精明的消费者逐渐形成「等打折再买」的习惯。
新 CEO Patrice Louvet 上任后，通过一系列策略调整让品牌重新回到增长轨道| Via LinkedIn
而过去几年，Ralph Lauren 在新 CEO 上任后进行的最显著坚决的策略转变，就是收紧库存，并逐渐提高产品结构中如同 Purple Label 这样高端产品线的比例。而在经历调整后营业利润率同比提升 200 个基点至 16%，足以说明这一策略已经开始兑现价值。
Via Ralph Lauren
值得注意的是，自 2018 年以来，品牌的平均单价也已经累计上涨了 64% 之多，但在涨价的同时，还能让消费者主动接受产品变贵，背后依赖的则是品牌价值的重新建立。好在，品牌如今已经开始重新掌握价格体系，并且 Ralph Lauren 长期且稳定的品牌认知，让它在踩中了近几年全球时尚审美变化的核心趋势下，成为逆势增长的关键因素。
Via Instagram@ralphlauren
过去几年，从 Quiet Luxury 到「老钱风」，从常春藤风格到针织、复古运动衫、乐福鞋等男装经典单品作为爆款重新流行，整个时尚行业都在兴起一种更加稳定、克制、长期主义的穿衣方式。
Via Instagram@ralphlauren
显然，Ralph Lauren 正顺应这种趋势，或者严格来说，它本身就是这套审美体系最早的建立者之一。正因如此，品牌能够走得更顺的一点在于，它几乎不需要重新定义自己。
Via Instagram@ralphlauren
可以说，大部分时尚品牌的核心竞争力，都建立在围绕创意总监、秀场、爆款单品、流行趋势和季度话题等传统时装系统的基础上，它们需要不断为消费者制造「新鲜感」以刺激消费。
「American Icon」 | Via Ralph Lauren
而 Ralph Lauren 则有些不同。它的品牌逻辑某种程度上有些类似于迪士尼，有一套属于自己的世界观，又或者是爱马仕那种长期叙事型的品牌，它的吸引力并不来自某一季产品或某一位设计师，而是一整个品牌长久所维持积淀出的独有气质。
Via Instagram@ralphlauren
无论是常春藤校园、马球运动、度假风格还是美国精英文化，你会发现这些与「老钱」或者人们所谓的高端生活方式紧密相关的元素，几十年来始终贯穿在 Ralph Lauren 的品牌叙事里，所以它不需要追逐趋势、不需要频繁依靠联名获取关注、也几乎不依赖社交媒体爆款制造短期流量。
RRL | Via Ralph Lauren
相反，它做的事情其实只是不断强化消费者已经熟悉的风格体系。于是你会发现，它甚至比过去更加「Ralph Lauren」了，曾经被认为有些「老派」，反而在今天这个时代下变得年轻化。
消费者和粉丝量快速增长 | Via Instagram@ralphlauren
这也是为什么，品牌过去一年新增了 650 万名直营消费者，并且在全球已经拥有超过 7,000 万的社交媒体粉丝，与此同时还拥有着一批时尚界最忠实的粉丝群体。
Via GQ
实际上这件事在今天反而变得更加重要，尤其是在社交媒体时代，如今成体系的风格正在重新取代爆款单品。过去人们会为了某一件爆款单品或某一双联名球鞋消费，但现在更多人开始希望自己的穿衣乃至生活方式都能够形成统一，而 Ralph Lauren 恰好是少数真正拥有完整生活方式体系的时装品牌之一，这样看来，它也似乎成为了一种「反快时尚审美」的代表...
不可否认的是，Ralph Lauren 如今的业绩逆势崛起的确很大程度上得益于整个消费市场与审美趋势重新回到了它所代表的风格体系中，这是一种「天时」。但同样我们也不该忽略「人为」的因素，品牌过去的策略调整，以及对自身品牌价值的坚持与持续提升，也同样是如今能够逆势而为的关键因素。相比于财报数字，它似乎向一众奢侈品牌证明了一件如今行业内越来越少见的事情——即使不依赖高频联名，也不刻意追逐年轻群体与流行趋势，也依然能够重新变得受欢迎。
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Nike 集结最强阵容预热世界杯 | Via Nike
邀请众多人气品牌打造的 Nike X2 系列 | Via Nike
《Rip the Script》主题宣传广告 | Via Nike
在这之中 Nike 无疑是话题度最高的那个。从一组集结足球巨星与流行文化人物的宝丽来影像为世界杯提前造势，到邀请众多人气品牌打造的 Nike X2 系列，再到正式发布的《Rip the Script》主题宣传广告，你不得不感叹 Nike 的球员和明星阵容是如此豪华，也能感受到品牌想借着这次世界杯发力、扭转颓势的决心和势头。
Nike x Kids of Immigrants | Via Kids of Immigrants
除此之外，其中还有与 Kids of Immigrants 这种小众单位的联名企划，虽然声量不算大，但从流行趋势和更具实际意义的日常搭配层面来说，其实同样值得留意。
Total 90 Mule | Via Kids of Immigrants
或许当你看到双方打造的这款 Total 90 Mule 的时候，第一反应或许会是困惑。作为一双诞生于足球场、曾经代表 Nike 黄金时代的经典战靴，为什么会被改造成一双看似毫无联系的半拖穆勒鞋？但恰恰是这种看起来有些矛盾的设计，实际上才正好抓住了当下的市场需求。
钉鞋被直接穿上街头 | Via SneakerNews
从某种程度上来说，它代表的正是足球在当下所发生的一场文化属性上的转变——从 Martine Rose 持续从足球文化和英国看台文化中寻找灵感，到 Wales Bonner 将足球元素带入高级时装体系，再到 BALENCIAGA 不断引用足球视觉语言…就如同我们所看到的，如今人们购买复古球衣早已不只是为了表达球迷身份，甚至连专业足球鞋也能成为时尚搭配的一部分，这些原本赛场上的产品逐渐脱离运动场景变成一种流行趋势，受到年轻群体的追捧。
Via VOGUE
可以说，足球正在经历和早先街头文化、户外文化相似的发展过程，逐渐从一项运动演变成一种独具代表性的风格语言。
时尚化的 Total 90 III 早先已经掀起一阵热潮 | Via PAUSE Magazine
这对于 Nike 这样的传统运动品牌来说自然是好事，意味着原本只局限于运动场的产品拓展到了更大的受众市场中，而在这之中，Total 90 就成为了帮助品牌完成转变最合适的载体之一。
这一系列代表着品牌在足球领域如日中天的一段时期 | Via SportsVerse / HIGHXTAR.
它几乎是 Nike 在千禧时代最具代表性的足球符号和视觉记忆之一，无论是标志性的圆形 Logo 还是不对称设计，都让它拥有极高的辨识度，而在千禧复古风潮回归之后，Nike 选择将 Total 90 的主场转移到球场之外，甚至就像这次与 Kids of Immigrants 的合作中这样，以一种更激进的方式——彻底剥离它的功能属性。
更贴近足球背后的文化意义 | Via Kids of Immigrants
不仅如此，Kids of Immigrants 本身所具有的跨文化、多元社群背景，还为这次合作增添了一种文化属性。要知道足球之所以能够成为全球最具影响力的运动之一，很大程度上正是因为它天然具备跨越地域和文化边界的能力。
从这一点来说，尽管名气并不响亮，但与 Kids of Immigrants 的合作或许反而比大热的话题联名显得更贴近足球背后的文化意义。
Via Kids of Immigrants
此外，近年来在以勃肯作为代表的 Mule 款式几乎已经成为鞋履领域最受欢迎的设计之一，消费者对于舒适、方便且能够适应不同生活场景的款式需求或许也是这次合作的「灵感」来源。放在这样的背景下再去看这双 Total 90 Mule，就会发现 Nike 的思路其实是希望让足球文化以一种更轻松、更日常的方式重新进入年轻人的生活。
这便是这双 Total 90 Mule 最具有时代属性的地方。
从这个角度来看，Total 90 Mule 或许并不是近期最具话题性的鞋款，但它却很能代表当下的趋势——既承载着足球文化回归所带来的时代情绪，也踩中了穆勒鞋型持续升温的市场需求，以最直接的方式，回应了年轻消费者对于穿搭方式与生活方式的偏好。