谈论藤原浩如果撇开音乐，是不完整的…

藤原浩，之所以大家将他视为 Influencer 并关注着他的每个新企划，原因一方面在于他早期对街头文化领域作出的贡献和奠定的基础，见证者和推手的地位毋庸置疑值得被尊重，而另一方面也离不开藤原浩任何时候在文化领域中超前的意识，作为一个跨文化创作者，他懂得如何促成音乐、时尚、街头、艺术各个领域间的协作，进而创造更多价值和启发。

今时今日，我们看到藤原浩穿梭于各个不同的新企划，为品牌提供创意概念、创作专辑和演出、担任大学客席教授、出书、运营网站、店铺企划等等… 藤原浩仍旧游刃有余，并且一如既往的避免承担制作成本的风险，利用知识和创意收获果实。

不久前他也出版了书籍《MUSIC 100 + 20》，在关注藤原浩在时尚方面的作为之外，更加全面的带读者走进他的音乐世界，书中收录了他从青年时期做 DJ 开始就常听的歌单，还有他为《GLOW》杂志音乐专栏撰写的文章。藤原浩和音乐的关系到底有多密切？是从 80 年代至今一直投身其中的持续创作，是在我们所见的瞬息万变、百花齐放的日本街头文化发展之初，藤原浩投身于此的依傍。

 

从 Punk 到 MELLOW，藤原浩在音乐领域的转变

90 年代里原宿的街头文化脉络想必很多人都已了解，就不一一展开，那么说回到 80 年代，在文化萌芽的时刻，主要靠的是音乐作为载体，继而开枝散叶到时尚。80 年代末期至 90 年代初，日本的音乐方面无论是主流到地下，都可以称得上是最好的时代。80 年代后期由藤原浩、高木完、工藤昌之、中西俊夫（K.U.D.O）和屋敷豪太一同创建的 Major Force 是日本首个说唱厂牌，一路走来就是一部街头文化和音乐一脉相承的发展史。

藤原浩在 Tsubaki House 举办的 London Night 派对因最佳着装奖而赢得的一张免费飞往伦敦的机票，不仅令他与 Punk 音乐场景结缘，也因为 Malcolm McLaren 的一席话去往纽约，并把 Scratch 文化带回日本进行推广，同时期，Major Force 的中西俊夫作为日本早期接触 Hip Hop 的人接受到了 Afrika Bambaataa 的洗礼，经典 Hip Hop 影片《WILD STYLE》在日本掀起热潮…  加之当时 DJ Krush 和 DJ Muro 的组合 Krush Posse 通过参加 DJ Underground Contest 发散的影响力，还有越来越多的厂牌和音乐人出现，DJ 文化逐渐在日本升温，而 1983 年至 1990 年这段时间当中，藤原浩也活跃在 DJ 舞台。

伊藤正幸和 TINNIE PUNX（藤原浩与高木完在 87 年成立的组合）的里程碑式唱片《建設的》算是日本很早期收录了 Hip Hop 音乐唱片，其中也加入了很多 Punk、新浪潮的成分。不同音乐风格相互融合，这样的创造力从 80 年代时 YMO（坂本龙一、细野晴臣以及高桥幸宏所组建的乐队）的专辑中便可窥见实验性的尝试，他们的第四张专辑《BGM》中的 “Rap Phenomenon”，便是最早记录在案的电子骨架加入说唱的作品之一…

藤原浩也在之后不断发行了多张代表性专辑，其中最令人印象深刻的就是 1994 年的《NOTHING MUCH BETTER TO DO》，也开始看出藤原浩在音乐创作方面的转变，这是一张带有 Funk、Soul、R&B 感觉的专辑，使用琴弦和电子琴等配器，其中的女声演唱带来了微妙的化学效应。

当被问从这张专辑到 2017 年新发布的《Slumbers》之间，他的理念有了一些什么样的变化，藤原浩这么回答道：“唯一的变化是开始自己唱歌了。其实和媒体的发展是一样的，音乐的发展也完全不同了，之前用 Walkman 只有一个小时，现在用手机可以听很多小时。以前买一张唱片就会盯着一张唱片听，现在的话，五年前、十年前甚至五十年前的东西，都是在一个平等的平台，你会听新的也会听老的，时尚也是这样，人们会穿不同年代的东西。”

不再 DJ 是因为藤原浩觉得越来越多在俱乐部上班的 DJ 不再了解每一张唱片，而他不想变成那样的人。80、90 年代时互联网尚不发达，没有太多的社交网络平台分散注意力，唱片主导的时代听众们花时间 Dig 自己所爱并了如指掌，更加聚焦在作品的本身；而也是在那个时期，作为在日本新形态的产物，日本媒体给予了大量的宣传，这批具有开创性精神的人也成为了后世关注并不断汲取灵感的对象。

而无论音乐还是街头潮流，在二十年前已经近乎成型了，往后的历史更像是一个个的 Loop。有人生活方式长年被一种音乐影响，也有人欣赏不同音乐风格间的丝丝关联，作为基于人情绪和表达的方式，音乐必然是世界性共通语言，音乐打破了语言的壁垒，可以让全世界的人交流。藤原浩也一直热爱和投身在音乐制作中，表达每个不同时段的自己。

除了发表睽违 4 年的个人专辑《slumbers》，藤原浩保持着在音乐场景的参与度，专辑巡回演出、Major Force 30 周年活动、和山口一郎共同主持音乐艺文节目等，不少友情品牌的活动中也可以看到他在现场的弹唱…

 

藤原浩都在听什么样的歌曲？

作为 “潮流教父”，其实藤原浩和 “潮流” 其实并没有太大关系，如果你关注他企划的 Ring Of Colour 网站便能了解，其中除了部分时下新鲜事之外，音乐、艺术等多方面的推荐，就如藤原浩自己所说，几乎是 Archive 的东西，想通过 Ring Of Colour 这个平台分享给年轻人看。也许你几乎遗忘了这样一个博客的存在，但是藤原浩依然保持着更新的频率，最近一次更新是 5 月 14 日…

以下在 Ring Of Colour 的音乐类中挑选了由藤原浩推荐的几组音乐为大家层层剖开，去了解他的音乐品味，更多的是他的音乐知识。

 

The Headhunters ‎– If You’ve Got it, You’ll Get it（1975）

“说到 Rare Groove 类型的音乐，有许多著名的歌曲浮现在脑海中，而这首歌的 Intro 令人印象深刻。我只去过几次伦敦的 Africa Centre（伦敦黑人音乐集体 Soul II Soul 在这里定期举办活动），但是当提到那里时，我总是记得这首歌。” 这首歌也恰好被藤原浩曾经喜欢的 80 年代 Hip Hop 名团 Boogie Down Productions 采样过，他也在 Ring Of Colour 中分享过不止一次。

60 至 70 年代中期，是 Jazz Fusion（融合爵士）异军突起的黄金时期，Jazz 开始借鉴摇滚乐的电子音色和律动节奏，甚至将 Funk 融入其中，那些著名的艺术家和他们的 Jazz Fusion 乐队开展了大量演出并将这种音乐推向了文化前沿，爵士键盘手 Herbie Hancock 和 The Headhunters 就是其中之一，喜欢黑人音乐的朋友大多都听过 Herbie Hancock 1973 年的经典名作《Head Hunters》吧，这张 Jazz-Funk 的奠基石当时由萨克斯手 Bennie Maupin、鼓手 Harvey Mason、贝斯手 Paul Jackson 以及打击乐手 Bill Summers 作为伴奏乐队，The Headhunters 乐队成形。

而上面的 1975 年发布的这张名为《Survival Of The Fittest》的专辑，由 Herbie Hancock 制作，虽他没有参与其中，但整个 Group 的表演同样令人震撼，相互协作间紧密又流畅。“If You’ve Got it, You’ll Get it” 这首歌创造了一个 Funk、R&B 的氛围，Groove 十足的贝斯声线搭配重复的歌词，McKnight 的吉他 Solo 也是整首歌的高光时刻。

 

Brown Sugar – I’m In Love With A Dreadlocks（1977）

“说到 Lover’s Rock，当然有很多歌，这首就是其中之一。Brown Sugar 的成员中还有来自 Soul II Soul 的 Caron Wheeler。”（看来伦敦的音乐场景对藤原浩的影响真的不小，Soul II Soul，again）

Reggae 分支中的 Lover’s Rock 音乐，是 70 年代中期伦敦 Reggae 音乐场景的产物，根植于南伦敦的 Sound System。Brown Sugar 组合甚至还开创了一个子类型 “conscious lovers rock”，三个黑人女孩倾向于更多浪漫的歌曲，主张通过温柔的情歌化解问题，这也是 Lover’s Rock 的主要形式；而南伦敦的年轻人有着加勒比的血液，和父辈所遇到的种族和移民问题稍有不同，她们倾向于用音乐文化来表达身份认同问题，”I’m So Proud”、”Black Pride”、”Our Reggae Music” 等歌曲都表达了独特的意识。

从 Ska 到 Reggae，牙买加音乐长期以来有受到美国灵魂乐的影响，到 Lover’s Rock 就更加模糊界限，将芝加哥和费城的灵魂乐与牙买加的 Reggae 律动结合，Vocal 方面也更加浪漫抒情。虽然在牙买加 Lover’s Rock 并没有太流行，部分 Reggae 音乐人创作它并扩展自己的知名度，但是它在英国却大受欢迎，更多的城市年轻人在寻找充满社会抗议因素和拉斯特法里教精神的 Reggae 音乐的代替品。自出现以来 Lover’s Rock 对 Hip Hop 和流行音乐也颇有影响并延续至今，Drake、Lauryn Hill、Musiq Soulchild、Sade 等音乐人都有从 Lover’s Rock 的歌曲主题和结构中汲取灵感。

 

Roberta Flack – Feel Like Makin’ Love（1974）

“著名的歌曲，还有很多的版本。” 藤原浩分享了灵魂歌后 Roberta Flack 的名曲 “Feel Like Makin’ Love”，还放上了很多他自己找到的不同版本，其中有首位加入 Blue Note 的 Jazz/Soul 女歌手 Marlena Shaw 的翻唱版本、爵士钢琴家 Bob James 的伴奏改良版本，还有更多人熟悉的 Neo Soul 代表 D’Angelo 的版本等等，每个不同的诠释都有独特的味道。

由已故灵魂歌手 Eugene McDaniels 所撰写，他的音乐也被 A Tribe Called Quest、Pete Rock & C.L. Smooth 等 Hip Hop 音乐人视作采样珍宝，拥有触动心灵声音的 Roberta Flack 演唱这首描述不可抗拒的冲动的颂歌后，直击人心，一经发布便大受欢迎，使得 Roberta Flack 连续三年成为 Billboard Hot 100 榜单榜首，并获得三项格莱美奖提名。

顺带一提的是，藤原浩对灵魂女声的热爱还不止于此，Queen of Soul——Aretha Franklin 的名曲 “Day Dreaming” 也推荐了不止一次，他这么说道，“在汽车里、在城市街道、在咖啡馆中，只要被这首歌被击中，就像在天堂”… 灵魂乐从内心产生，在人性的层面上感染他人，正是这样一种永恒的感情，音乐人通过表达来影响他人，无论时间更迭，任何时候人们都可以感受到灵魂乐带来的联结。

 

Wolfgang Tillmans / Colourbox

“2016 年 Wolfgang Tillmans 在大阪进行了展览，我很感兴趣，其中便展示了 Colourbox 的音乐，2017 年 Tate 的个展中，Wolfgang Tillmans 进行选曲并设计封面的专辑 ‘Colourbox: Music of the band (1982-1987）’ 也被发表。我也是 Colourbox 的粉丝，‘Baby I Love You So’ 是我特别喜欢的一首歌，听起来像音乐的拼贴，原唱是雷鬼音乐家 Jacob Miller。” 他还一并分享了 Colourbox 参与的 M/A/R/R/S 的热门曲目 “Pump Up The Volume”，“这首歌是屋敷豪太告诉我的，他教了我很多东西，我很感激。”

Colourbox 是英国独立厂牌 4AD 旗下的前卫流行乐队，相较于 4AD 旗下其他 Goth Rock、Post Punk 和 Psychedelic 等代表性风格的乐队，Colourbox 更受到 Reggae、Dub、Funk、Soul 的影响，他们实验性的声音来自天马行空的采样，甚至电影配音都会出现其中。Colourbox 在工作室进行的纯粹的艺术研究和他们面对外界的反智立场形成了鲜明的对比，这样的特征征服了 Wolfgang Tillmans 和藤原浩。

著名摄影师 Wolfgang Tillmans 经常在创作和布展上交叉使用多种媒介，音乐是他的创作中其中一个不可少的主题，他此前曾携手 4AD 在柏林的 “Between Bridges” 项目空间里设置了一间聆听体验空间，听众可以改编原始声音样本并录制音轨，沉浸式的体验他最爱的乐队之一 Colourbox 的灵感，后来也成为了他在 Tate Modern 展览重要一部分。

 

除了以上几组分享之外，当然也少不了 Punk 音乐，藤原浩会分享类似主题为 “Is Punk Too Commercial?” 的外媒专题发表反思，也会分享对英国鬼才音乐人 Blood Orange 新专辑的喜爱…  启发藤原浩的音乐涵盖了 Rock、Punk、Hip Hop、Reggae、Funk、Soul、Jazz 等等不同的类型，他并没有把它们看的泾渭分明，而是领悟不同类型的音乐间相互联系、相互影响和情感共鸣的地方，欣赏在不同社会、政治、文化背景、信仰和价值观下诞生的音乐类型。

从他对音乐的理解上不难看出为什么对于跨文化创作方面藤原浩的过人之处。如果创作者只关心当下消费主义或是任何文化的外在表现形式，相信不会有人能像他一样走的长远，而当你发掘和认知文化的细枝末节，越潜越深的时候，才会发现一个更大的世界，拥有 “超前” 的意识。